周末好画介绍 2012，本年度最后一册： ]范戴克爵士 《逃往埃及途中的休息》

JuJu

今晚一边加班一边泡新足迹, 才把红版这个帖子细细看了, 好帖呀, 望继续介绍, 得闲就来学习.

JuJu

原帖由 cherryy 于 2012-4-22 17:16 发表
不喜欢这个故事，因为没有好结局：画家和女佣相爱，最后由于阶级身份地位悬殊，女佣带着悲伤嫁给自己不爱的屠夫。

书和电影的情节相符，只是书把女佣的思想行为描绘得很细致：她对艺术很敏感，把切好的菜按颜色分类好放在盘子上，她也会磨制颜料......因为故事悲情，看到最后郁闷一场

PS:姐要是年轻十岁，不介意兽兽，哈哈~

我觉得书写得很好的呀, 写得非常含蓄, 千徊百转细腻隐忍, 我喜欢的.

帖一段节选, 是全书中描写两个人最为intimate的那一刻

He stepped up to my chair, my jaw tightened but I managed to hold my head steady. he reached over and gently touched my earlobe.
I gasped as if I had been holding my breath under water.

He rubbed  the swollen lobe between his thumb and finger, then pulled it taut, with his other hand he inserted the earring wire in the hole and pushed it through, a pain like fire jolted through me and brought tears to my eyes...  

为了画像, 画家为Griet带上耳环, 沉默内敛的画家, 对他早已情愫暗生的Griet...

dootbear

原帖由 JuJu 于 2012-7-11 01:11 发表
得闲就来学习.

Juju 大大， 你是哪里人啊？

JuJu

语言这东西, 现在都是混血乱用的了, 得闲也不是港人才说的.

偶老家浙江.

dootbear

原帖由 JuJu 于 2012-7-11 18:13 发表
语言这东西, 现在都是混血乱用的了, 得闲也不是港人才说的.

偶老家浙江.

所以我才觉得惊奇， 我以为只有会广东话的才会说： 得闲
呵呵， 看来我错了。

dootbear

法国印象派大师 爱德加.德加 彩排

法国印象派核心画家爱德加.德加（Edgar Degas，1834-1917），生于巴黎一个富裕而有教养的家庭，父亲拥有小型私人银行，可惜母亲在他十三岁时便逝世，使他深受丧母之痛。沉默寡言为人孤僻并终身未婚，他不像其他画家那样放浪形骸，从未和女子或模特儿有过激情。经济虽富有却生活俭朴，从不养尊处优，犹如修道士般将自己禁锢。

但他在寂寞中永远坚持抓住画笔，天资聪明具备出色的素描技巧，加上他的观察力与记忆力，创作时自由自在地铺陈色彩和希冀，他的画就是他的人生。

在精湛绝伦的作品中，透露出内心对女性的依恋，不论是浴女、洗衣妇、歌女、舞者……

爱德加.德加均是专注地研究分析，精准地塑造画中的生命。芭蕾舞是他最感兴趣的题材，可是他没有画魅力十足的舞台明星，而是走入舞者的后台，捕捉严谨训练的场景或落幕前汗流浃背向观众谦卑鞠躬谢幕的镜头。

摆脱传统构图方式

爱德加.德加的名作《彩排》，（The Reheursal）,油画颜料绘于画布上，58.4*83.8厘米，约1847年，格拉斯哥巴雷尔收藏。

画面呈现的是巴黎歌剧院休息室，爱德加.德加摆脱了传统的构图方式，画的中央留下了空白，只见地板及舞者的投影，把一群练舞者集中在画面左上方，年迈的舞蹈老师仅在画幅上佔有极小的比例，凭藉红色的衬衫吸引观赏者的视点，他风度翩翩地站在那里，督导一班年轻学生的排练。左侧螺旋状的楼梯，垂直的立柱，向上攀升的扶手，从楼梯走下来的双腿，整个透视的效果形成动感，并令分隔的人物和空间相互呼应。光线透过两扇落地长窗，以交叉射入的逆光，使展肢向前单腿落地的动作更显得完美平衡，那静中见动转瞬即变的舞姿；丝质的粉色蝴蝶结，酿有白色花边的透明纱裙，衬托出舞者娇柔的青春。

位于画面近景的右下方两名少女一坐一立 ，企立的少女被删剪了半个身影，让构图倍觉自然精巧。她俩后面是陪伴等待的母亲，用一双巧手协助整理服饰，尽心竭力地照顾她的女儿。坐着少女的绿色披肩，母亲的红格子披肩，互补的色相刺激又统一。丰富的色彩，模煳的轮廓，画出了后台的情境。导师、亲人及同伴犹如梯子两旁的侧木和扶手，拚搏和努力如阶梯中间的横木。图中螺旋形楼梯的组合好似印证攀向台上的成功因素。整幅画面包涵着良师与勤徒、慈母与乖女、集体与个人、严肃与和谐，融合了微妙的人生范例。

美的化身美的传播

据说，很多女孩子童年酷爱芭蕾舞，她们爱那蓬鬆的白色短纱裙，脚尖随着音律节奏，轻盈雅致地弹跳，美丽柔软如仙子下凡，舞出最动人最浪漫的线条。女孩子们幼稚的心灵会为此着迷，一度学跳芭蕾舞，搁腿、弯腰、拉筋、一字马、挺直脚趾走，在物质贫乏的年代没钱订购舞鞋，中间的脚趾特别容易扭曲，很多女孩子忍不住痛楚不玩了，舞未学成脚倒畸形了。 这也得出个教训凡事若不耐苦，结果半途而废。

所谓台上一分钟，台下十年功。任何准备均要付出时间和精力，不断的锤炼需要耐性和信念。幕后的充分准备必不可缺，当帷幕开启便可轻巧地踩着节拍旋转入场，在舞台上破茧成蝶，展现最绚丽的飞舞。在鲜花、掌声、荣誉背后必须承受诸多痛苦。

人们常见到的是亮丽夺目的一面，难以估量台下挥雨如汗的艰辛！

画家和舞者都是美的化身及美的传播者，舞者美丽的倩影即使无人鼓掌也要优雅地谢幕，有造诣的画家即使孑然一身仍有炽烈的依恋。如果喝令他们不舞不画，那反而是对生命的糟蹋或辜负。

爱德加.德加的晚年视力日趋恶化，浑浊的眼珠如两口深邃的涸井，他依然凭感觉用蜡凋塑，最后几乎双目失明，拐杖敲打摸索着路面。彷彿一片凋零的落叶，随着萧瑟秋风悠然远去！而他的艺术成就却赢得了永恆崇高的声望。

香港信报 2012年7月14日 益行 读画

dootbear

19世纪后期，剧院是巴黎人最主要的娱乐场所。印象派画家用画布重现了歌剧院、音乐会、芭蕾舞剧场的气氛。德加对后台的景象也很感兴趣。他在《彩排》这幅作品中捕捉到的芭蕾舞者的动作一如其他工作一样具有反复性。整张画表现得既准确又细致，现场感十足。

“我的作品是思考与研究的结果。……我从来不懂什么叫做灵感、感觉或者自然而然就会发生这种名词。”德加所说的这些话可让我们更了解他的个性。和其他的印象派画家不一样的是，德加只在画室内根据记忆作画。他对大自然并没有很大的兴趣。他对摄影技术做过多方面的研究，创造了一些新的绘画技巧。他在画中所捕捉到的情景就像底片所拍到的景象一样。

德加写道：“人们称我是舞女画家。”的确，他往往被这样看待。他初期的这幅杰作也是使其舞蹈绘画具有独特个性的一幅优秀的例作。德加不喜欢在舞台上跳舞的魅力十足的明星等通俗的内容。他描绘了在上了年纪的舞蹈教师的注视下，年轻的芭蕾舞女演员们进行彩排的巴黎歌剧院休息室的情景。具体的彩排的主题与其描绘方法很好地融合，在这里产生了充满身临其境感觉的效果。观看达幅绘画的人，拥有原原本本地窥视到舞女们的样子的感觉。但是，这一画面的印象与德加艺术的经过深思熟虑的性质形成了对照。

芭留扭艾搜员从他所画的芭蕾舞女演员中可明显地看出德加的绘画习惯:在动笔之前，他先画了一系列的草稿，研究舞者的姿势、动作与神情。

他特别强调用记忆的方法作画， 他反对像莫奈和其他印象派画家刀林样完全对景写生的方法.他精于捕捉动态的一瞬间形象有着敏捷的观察为和记忆为并且以自己精确的素描技巧表现出刀江些生动的形象。

在这幅《彩排》中，摄影所赋予的币要影响存于摄影的“抓拍”式的构图技法，其具体表现在左右不平衡的构图，和在画面边缘埘人物的“裁断”等。在抓拍照片中，这种效果一般是由快门速度的不同偶然产生的，但在德加的作品中，这是事先经过深思熟虑的结果。对人物形象的裁断以及空开近处中央的空间的手法，不仪打破了历来的绘画构成规则，也给人以不是事先摆妤姿势，一切鄙十分自然的感觉，行使观赏者引发出窥视人生中的一个镜头的感觉。印象派画家的目的之

一存于捕捉动态，而且是一瞬间的动态。同其他同时代的画家一样，德加也希望模仿当时开发出来的照相的效果。马奈、雷诺阿、劳特累克等也专心于同样构图的研究。莫奈的《卡普西努大街》(1873午)和雷诺阿的《克里两广场》(1880年左右)等印象派的作品，就是在绘画中对动作模糊的照片效果进行的模仿。

德加从摄影中受到的另一个重大影响的源头是爱德华·麦布里基的连续摄影。麦布里基的《动物的运动》(以完整的形式发表是在1887年之后，而在19世纪70年代便已部分发表，画家们对此也有了解)首次揭示了肉眼所无法捕捉到的动物以及人的运动的详细过程。德加也许是在创作了《彩排》之后才了解列麦布里基的有关摄影的情况，但这幅初期的杰作则告诉我们，德加在很早的时候便已经迷上了麦布里基的摄影所展示给人们的动态。

dootbear

像马奈一样，德加并不是真正的印象派画家，尽管他赞成印象派的大部分艺术目标，但他与他们保持着一定距离。或许画家拥有一个孤独的灵魂，他的画作给我们以同样的感觉——距离感。

他总是以最令人意外的角度——似乎是偷窥的位置去看他所描绘的对象。以他至今尚无人能超越的平面造型能力，以及完美的线条与色彩的感觉来描绘这些对象。

德加十分喜欢从芭蕾舞剧中选取题材，他画了很多与芭蕾有关的作品。 他以印象主义者观察周围风景那样的冷落态度去观察这些舞者，观察人体形状的明暗相互作用，以达到他表现运动或空间的目的。

德加晚年由于视力丧失，不得不放弃绘画而转向雕刻，但他作为19世纪近代美术的以为巨匠已经确立了其坚实的基础地位。
















这幅肖像画，作者以特写的手法构图，以其响亮的色彩，刻画出一位妇女温文尔雅的形象。

显示出画家高超的写实功力，而且那瑰丽荣华的色彩和轻松活跃的笔触，具有令人赏心悦目的神奇魅力。

[ 本帖最后由 dootbear 于 2012-7-14 20:49 编辑 ]

老猫晒太阳

进来看看我喜欢的Degas。

虞宅与美丽

[quote]原帖由 dootbear 于 2012-6-16 11:43 发表
克里姆特﹝Gustav Klimt﹞﹝1862 ~ 1918﹞

[quote]

今天google页面就是这幅画。

dootbear

[quote]原帖由 虞宅与美丽 于 2012-7-14 22:53 发表
[quote]原帖由 dootbear 于 2012-6-16 11:43 发表
克里姆特﹝Gustav Klimt﹞﹝1862 ~ 1918﹞
呵呵， 我很高兴啊。。。
我选对了画！



[ 本帖最后由 dootbear 于 2012-7-15 07:00 编辑 ]

欢喜就好

楼主辛苦了！

dootbear

南宋 马远 《松溪观鹿图》


自古以来中国画家，天地造物随心剪裁，阴阳造化任意分和，将胸怀注释于笔端。

美国克利夫兰美术馆（The Cleveland Museum of Art）其中有一幅中国画《松溪观鹿图》，尺幅不大：24.2cm x 25.8cm，绢本设色（无款文），却意境幽深，清逸自然，静远澹泊，趣味无穷。
这是马远的精品，典型的对角式章法，採用郑虔的澹彩法，下笔严正似李唐，雄奇爽朗的笔触，松树笔简多姿，焦墨的枝干，瘦硬如屈铁，拖枝技法使树伸展出斜曲之态。苍劲勾勒的山石轮廓，适度的大噼斧皴擦，质感冰撕斧裂坚硬重实，岩缝间秀竹萌发。

小晴烟冉冉流水潺潺

几曲清泉迴转流淌，澹墨刷染的草滩、茂树、堤岸，逐渐朦胧隐约旷远。苍苔满布的坪地设置石枱，枱上放着瓷樽，靠溪边围有栏杆，一位雅士由侍童陪伴身处其景，凴栏而坐在松下石上，优哉游哉轻摇小扇。突然耳畔似有不速之客的声息，侧身回首看到两隻小鹿闯入小溪对岸，前面那隻鹿已轻捷地低头饮吸着甘凉的清泉，丛后那头小鹿还在机警地张望。侍童亦不甘打扰，即刻止步不前。简约概括的衣褶变化，交代了人物的举止形态。可观的关联组成生动的画面，一个自我宇宙的灵想美境，晴烟冉冉流水潺潺，跃跃小鹿生机勃勃。营造这静谧祥和可游可居的幻化世界，孰是人间所有？这是马远的主观生命情调与客观世界的互渗统一。

也许是：「林半影不雨亦萧瑟，心欲醉难闻箫笛声。前景溟濛静坐松下，青山不语鹿溪解渴。」马远寓情于景，景因情生从而情因景出，他是处于情和景的徘徊中创作。

青出于蓝胜于蓝

马远（约1180-1225）是南宋杰出的画家，字遥父，号钦山，原籍河中（今山西永济县附近），侨居钱塘（今浙江杭州），与李唐、刘松年、夏圭并称南宋四大家。曾祖父、祖父、伯父、父、弟、子，五代都是画家，真可谓家世显赫。

他克承家学而超之先辈。初师李唐，但青出于蓝胜于蓝，并领导潮流漫步画院，独闢蹊径自成一家。对于花鸟、人物、山水无一不精，画花鸟善于捕捉自然界的神情逸趣；画人物取材广泛，佛道、贵族、文人雅士、渔樵、农夫……闲雅轩昂，神气盎然；画水能描绘出不同气候下千变万化的形态；山水画 更是风格独特富有诗意，章法取捨剪裁尤为大胆，取景方面一反前人居高临下的俯视观点，採用平远法取景，并在整幅纸绢上只画一角。绘山之一角水之一涯，他的边角之景被人称为《马一角》。明代曹昭评述：「或峭峰直上而不见其顶，或绝壁直下而不见其脚，或近山参天而远山则低，或孤舟泛月一人独坐。」构图留出大幅空白，强烈的空间感不但突出了主题，而且这空白处的神秘，格外地引人入胜。种种布局予人玩味不尽！

马远因生在靖康之难后，于中原沦陷的年代，处在偏安一偶的南宋。位于只有半壁江山的淮水以南，马远刚劲有力的笔势写出賸水残山，他极少画全景，以示不完整的国土，笔断意不断的图像，抒发出内心忧国伤时的爱国情怀。

南宋遭受内忧外患，军事实力渐弱，政权趋向无能，奸佞当道国势日衰，令南宋常屈辱示人，湮没了它应有的辉煌，但南宋为期一百五十三年，是中国文化发展极为重要的时期。

南宋时代文人墨客重视创意和抒发感情，因此对后世的文化影响极其深远。特别是马远继承和发展了北宗画派的命脉，并且揭开了山水画史划时代的一页。

香港信报 2012年7月21日 益行 读画

dootbear

马远的山水多画江浙之景，以大斧劈皴水墨浅染画山石，严整硬朗，危崖峭壁，疏密有致；树干瘦硬刚健而又不失柔和，常以拖枝的姿态画梅树；画水根据水流的特点采用各种不同的笔法，或平远，或盘旋，或汹涌，或跳跃，与山石树木融为一体，相得益彰。所画花鸟擅长捕捉自然景物中的闲林野趣，注重神情的描绘。人物画则多表现闲淡静雅、气宇轩昂之气，神态生动，题材以佛道、贵族、文人雅士、农夫、渔樵等为主，尤其是山野之景中的人物，与自然环境有机地融合在一起，创造出具有诗情画意的意境，令人回味悠远。马远师法李唐而又自有新意，在章法上大胆取舍，多描绘边角之景，画面上有大面积留白以突出景物，让人玩味不尽，有“马一角”之称。




马远在当时影响很大，其绘画风格以“水墨苍劲”而受推崇，与李唐、刘松年、夏圭并称为“南宋四家”。

代表作品有《踏歌图》、《水图》、《梅石溪凫图》、《华灯侍宴图》、《西园雅集图》等。

南宋皇帝偏安一隅，寄情山水，迭石为山，引湖为泉，“倚仗临丘观瀑布”，这幅宋帝《观瀑图》在真实再现宋帝生活的同时，也突出展现了马远的艺术风格，以及他在山水和人物方面的造诣。作品构图完整，画面开阔疏朗，远近层次分明，河流自远而近从画中穿过。人物勾勒简括劲挺，宋帝身着隐士装扮，手持麈尾，左腿屈起，右脚踏裸露的松根，袒胸露腹倚靠劲松，神情闲雅悠然，似在观赏瀑布的壮观之景，持杖童子则侍立于一旁。画中苍松赭色的枝干虬劲有力而又姿态屈曲顾盼，松针疏朗，用笔简淡有致。

山石以斧劈皴辅以墨色烘染，墨色交融，凝重峻峭。水流迂回于山石之间，无喧腾跳跃之意，而有淙淙之音，与人物心境和自然环境相合。

远处隐现一抹淡山远水，两只鸟点缀其间。画面左下角有题款 “臣马远”，右上角押有元代书画家柯九思印鉴“九思私印”。





伴鹤高士图
马远不仅擅长画大山大水，画人物小景也颇为精妙。图中一高士褒衣博带，持杖拖地，在柳荫下漫步，眼望远景。前有一鹤，昂首前行，忽而向后回望。笔墨淡雅，造境幽远，意味深长。自北宋诗人林和靖于杭州孤山植梅蓄鹤后，鹤伴高士便经常成为绘画和诗歌表现的内容。画左下落款『马远』二字，行笔流畅，结体稳健。右下钤白文印『季迁心赏』。





《寒江独钓图》，是马远构图技巧最成功的范例之一：一叶遍舟飘浮江面，渔翁独坐垂钓。除四周寥寥几笔微波外， 全为空白；有力地衬托出江天空旷，寒意萧条的气象。




《孔子像》身着长袍，拱手而立，沉静肃穆，若有所思，神情十分生动。用秃笔写衣纹，简练概括，线条劲拔，寥寥数笔，形神毕现，设色浅淡，韵味高雅。




仙侣观观瀑图　马远（宋）　轴　148.1x80.1  公分　绢质　台北故宫博物院藏

它采用斧劈皴法与粗细线条描绘出隐士们在险峻的山脚观赏飞瀑的情景。瀑布下面的湍急的河流，因此，构建了围栏。

青翠的苍松牢固地附着在岩石上，雾气沿着山势萦萦绕绕向山顶散去。




[ 本帖最后由 dootbear 于 2012-7-21 10:59 编辑 ]

虞宅与美丽

这个孔子俨然有寿星之像......

dootbear

原帖由 虞宅与美丽 于 2012-7-21 20:06 发表
这个孔子俨然有寿星之像......

孔子的头/前额， 为什么要画得很凸出啊？
表示他很有学问？

dootbear

飘逸梦幻的藤田嗣治

因为历史的原因，在情感或情绪上，我们一直很容易小觑日本人。从思想意识上去小觑某人某物，必然意味着人不会去仔细了解那被我们小觑的对象，仅凭主观臆想，就带上傲视的优越眼光。

在观望日本艺术上，我们也存有类似的眼光，认为他们不过只在江户时代曾有过浮世绘艺术，近现代有过风景画家东山魁夷，除此之外，当代的日本艺术无非只擅长卡通罢了。

我们漫长岁月里发展起来的精妙绝伦的水墨艺术，日本人想要得其精髓，不知要作多久的努力才懂一二。

尤其由于日本民族是个小岛国，我们自觉我们的地大物博与五千年文明史，压都要压垮他们。

不过，世界并不是我们臆想中的样子，它是它本来的、有待我们去认识与了解的样子。

一个多世纪前，在世界级的顶尖艺术家里──指毕加索、莫迪里阿尼、常玉或马蒂斯那一拨人里──就有一个叫藤田嗣治的日本人，不仅与这些艺术家一样享誉欧洲与世界，也是日本国视为国宝的大师级艺术家。

藤田嗣治（Foujita，1886-1968） 出生于东京，名门后代，自小修习绘画，是毕业于东京大学艺术系的才俊。年轻时移居巴黎，得当时的巴黎画派及欧洲诸艺术流派的啓迪与影响，形成完全属于他的东西相糅的绘画风格，既得艺术圈的讚赏看重，又数次获法国政府与比利时政府颁发的艺术奖章。

平心而论，比起我锺爱、同时期的中国艺术家朱沅芷的鑽石主义风格，藤田嗣治的作品我不是那麽喜欢，甚至认为他大部分作品绝非逸品，他大受人们讚颂的细腻平涂的珍珠白，太过粉嫩细滑，经不起视觉的回味与咀嚼。

不过他东方似的飘逸线条与画面流露出的意态是独一无二的，东西方气质融合无碍，风格成熟老辣。其笔下的小猫尤得我的赏识，睁圆眼龇小牙，唬唬有个性，好像是藤田的另一个「小我」。

时代的特殊性会造就一个人才，因为藤田的存在，西方见识了日本式油画梦幻般的魅力，由此奠定他在国际社会中的巨匠地位。

由藤田可知，日本人并不只有云澹风轻的浮世绘画以及看似简单的卡通艺术，我们是绝不可小觑日本艺术的。

香港信报 2012年7月28日 凡子 艺术拾趣

dootbear

藤田嗣治是由日本移居国外的画家，他把法国油画的技法应用于日本风格的绘画。他以东方的毛笔为工具，创造出独树一格的东方式油画，是位与毕卡索齐名的伟大画家。

战前，在巴黎非常成功的日本画家藤田嗣治，充满了无法抑制的才能，可说是当时世界上最有名的日本画家，但是却只有在日本无法获得认同。恐怕是那个时候，画坛上嫉妒的力量比现在还要大吧！据说他连发表作品的地方都找不到。

当年身处法国的他，因为法国被德国佔领，而不得不回到日本，但当时日本也正处于战争状态。此时，有人提供了画战争画的工作，藤田嗣治认为这对自己是个千载难逢的好机会。藤田嗣治大幅度地提升了战争画的「完成度」，满足了日军的要求，才华终于在日本获得肯定。还有报导记述，有老太太看了藤田嗣治的画感动地哭泣起来。原本以为自己已被祖国抛弃，但看到作品终于受到肯定，藤田嗣治可以说处于幸福的顶端。

没想到战败后，他反被日本美术界印上战犯画家的烙印，让他不得不捨弃日本，归化法国。藤田嗣治的夫人在他死后，因为上述的经历，有一段长时间不愿意让他的作品在日本发行。如果说有所谓「艺术表现方式合不合日本社会」这种东西，那麽藤田的作品在当时是很明显不合的了。

他画的猫非常生动。

dootbear

再看看他画的宗教题材画：










他另外一张非常出名的喝咖啡女郎：






他在途经纽约赴法而旅居纽约时期，创作了〈咖啡馆〉、〈美丽的西班牙女子〉等名画，以独坐室内空间的女性肖像为主题，背景出现室外景物，显示他思念巴黎生活并走向大众化绘画题材的趋势。

藤田嗣治晚年成为基督教徒，受洗名为李奥纳多．藤田嗣治，持续旺盛的创作活动，倾全力製作在法国东北部香槟省的首府兰斯（Reims）的藤田嗣治小教堂设计与壁画绘画工作。晚年他在巴黎郊外的维耶勒巴克，精心设计自己理想的画室。1968年他长眠于这个乡村教会墓地。

藤田嗣治度过充满曲折波澜的一生，在艺术创作上的评价直到去世后才真正受到正面的肯定。他的绘画题材早期以生活周围的器物、动物、女性肖像和儿童故事为主，晚年画了很多群像和宗教题材作品。技法上他开发的乳白色肌理上，描绘柔和强韧的线条造型，建立了独特绘画风格，而成为巴黎画派代表画家。

[ 本帖最后由 dootbear 于 2012-7-28 15:31 编辑 ]

DarkDragon

日本人的创作力也是不可小觑！
真费心红版找来这些好东西。

虞宅与美丽

原帖由 dootbear 于 2012-7-28 15:20 发表
飘逸梦幻的藤田嗣治

因为历史的原因，在情感或情绪上，我们一直很容易小觑日本人。从思想意识上去小觑某人某物，必然意味着人不会去仔细了解那被我们小觑的对象，仅凭主观臆想，就带上傲视的优越眼光。

在观望日本艺术上，我们 ...

我从来不小觑日本，我只是不喜欢它。

dootbear

原帖由 虞宅与美丽 于 2012-7-28 20:49 发表


我从来不小觑日本，我只是不喜欢它。

不喜欢他们阴险的性格。。。

autrant

MARK！

慢慢拜读

周周

小声说句：我很喜欢日本的一些东西，一直在啃《万叶集》。

dootbear

本周我们来看看现在世界上十大天价艺术品是那些， 同学们都欣赏过了吗？

呵呵， 王婆卖瓜， 我也曾经介绍过其中几幅名画。

不过， 这十大天价艺术品当中，其中没有一件是来自东方的，看来西方世界还是看不起东方的文化啊。

dootbear

黄公望 富春山居图

2010年温家宝总理在回答台湾记者提问时讲了个故事：

「元朝有一位画家叫黄公望，他画了一幅着名的《富春山居图》，七十九岁完成，完成之后不久就去世了，几百年来这幅画转辗流失，但现在我知道，一半放在浙江省博物馆，一半放在台北故宫博物院，我希望两幅画什么时候能合成一幅画。

画是如此人何以堪。」

寥寥数语使元代画家黄公望分散两段的《富春山居图》，终于在2011年台北故宫博物院首聚。

才智超人跌宕无常

神韵秀清的长卷把富春江两岸峰峦雄秀、茂林飞泉、树木千姿、村舍茅亭、河岸小桥、沙渍波影、鱼舟垂钓、隐约远山、水天一色，层次此起彼伏，景色目不暇接，展现丰富的视觉移动，令观者置身于山光水色之中。

温总理藉历史名画旷世合璧，寓意两岸统一的愿景。一卷充满悲情的名画，被火毁成两段各分东西，三百六十年后匆匆聚合，轰动一阵又各安其身。

元代画家黄公望（1269-1354年，字子久，号大痴、大痴道人、一峯道人、晚号井西道人）的生世及真迹的归属，更能品味名画蕴含的箇中百味。一个生于常熟姓陆名坚的孤儿，父母早逝生活无依。他精灵的童真，获永嘉黄氏老翁收作嗣子，因九十岁先得一子（黄公 望子 久矣）故取名公望字子久。十二岁通过神童科试，才智超人，工书法、通音律、能诗文，学识渊博，胸怀抱负。

可憾元代朝政专横跋扈，不重视文人，加上种族歧视，汉族贤能特别是南人，少有仕宦之途，大多销声匿迹。阶级的划分历来是独裁者挖的沟洼，是亘古通今埋葬人才的泥坑！

黄公望虽有才华，亦只可任书吏之类最基层的公务职位。怎料上司张闾是个贪官，东门失火殃及鱼池。牢狱之灾吞噬了最宝贵的岁月，暴虐的时势将风华正茂的书生扭曲，四十几岁中年重见天日，亲情远离形锁骨立，时乖命蹇惟靠卖卜营生。少年大志试吏弗遂，心高气傲的神童，变为被人唾弃的阶下囚。跌宕无常的际遇，使他涉猎在儒、释、道的哲理中，寻找悟性和宗教，最终皈依全真教修道。五十岁开始学画，跨越茫茫日月时空，以绘画作为个人的修炼，大气晚成营造了下半世的生命价值。

历代誉为画中兰亭

黄公望年届古稀，仍持杖出游静观自然，回归人性的自在。从而创作出高一尺多、长两丈馀的画卷。先以大轮廓底定，再「遂旋填札」并随身携带，意兴即添加。同行的师弟：号「无用」的道士，叹为观止，恳请惠赠。要师兄未完成即款明画属「无用师」所有。花了七八年的工夫，才画好这卷秀润澹雅的富春江两岸初秋之景。简约利落的山石勾皴，洒脱灵动随意天成。

笔墨风靡三百年之久，是元四大家之冠（中国美术史中黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，并称元四家），历代都将《富春山居图》誉为「画中兰亭」，竞相收藏。明代沉石田、董其昌……清代时传到吴洪裕手中，更视为平生至爱。

晚年临终时，嘱家人将爱物当面焚化，以便带随去阴间。刚丢入火中，其姪儿见吴洪裕气息将绝，目光已收，不忍让传世之宝化为乌有，立刻从火中抢出画卷，虽得以保留，但已毁成两截。剩下的前段，流落民间定名为《剩山图》。现收藏于浙江省博物馆。后幅画段较长，被清廷收藏，名《无用师卷》。由于乾隆皇帝先得到摹本《子明卷》，爱不释手信以为真，加了很多题字和印章在空间。其后再取得《无用师卷》反定作膺品，是非颠倒！皇帝金口圣言谁敢争辩？真相留给后世人揭！举世闻名的国宝《无用师卷》在硝烟瀰漫的战火中，随着颠簸沥血的车轮，运载进台北故宫博物院。

一分为二的《富春山居图》浓缩了海峡两岸国运民情，在苦难历史中身不由己的宿命。

香港信报 2012年8月25日 益行 读画



富春山居图剩山卷





富春山居图无用师卷

dootbear

《富春山居图》究竟是一幅怎样的画，为什么它诞生600年来，如此牵动中国人的心？为何会分成两半，一半留在了浙江省博物馆，一半留在台北故宫博物院？在这幅画的背后，有着怎样的故事？



《富春山居图》好在哪里？

《富春山居图》高一尺余，长约二丈。描绘的是富春江两岸初秋的景色。画面峰峦平坡，丛林树舍，渔舟小桥。草木台石等回旋转辗，疏密有致，姿态各异，丰富而自然。整幅的绘画效果，给人以“景随人迁，人随景移，步步可观”的艺术感受。

在这幅画里，黄公望用笔干净利落，无轻浮之感。画法有董源、巨然的湿笔披麻皴，也有长短干笔皴擦，在波峰之间还用了近似“米氏云山”的笔法。墨色透明而凝重，笔势萧洒而秀润。全图只用少有的淡墨渲染，突出了笔墨意趣的发挥。黄公望的山水画的主要风格有两种：一是浅绛山水，山头多矾头，笔势雄伟；二是水墨山水，皴擦较少，笔意简远逸迈，山峰具有那种如玉的圆润透明的效果。

黄公望曾寓居富春山，常常“云游在外”，遇山水就随意画画，此图始作于至正七年（1347年），差不多画了10年才完成，是黄公望最得意的作品，而后代画家也对此画有着极高的评价。明代收藏家、大画家董其昌说，他在长安看这画时，竟觉得“心脾俱畅”，“展之得三丈许，应接不暇。”而这幅伟大的作品的确让人有咫尺千里的感觉，叹为观止。


《富春山居图》的历史背景

　　1347年，元代书画大师黄公望创作了《富春山居图》，这幅作品也被认为是元代文人画的最高杰作，中国最著名的作品之一，这幅画用更自由、多变化的笔墨来描绘山水，透过山石的起伏与笔墨的变化，表现山水内在的生命。
　　在元朝，汉族知识分子一直难以获得“学而优则仕”的传统道路，他们把时间、精力和思想情感寄托在文艺上，与这种思潮密切相关的山水画，也就成为这种情感寄托的重要的领域之一。尤其到了元朝末期，战乱风起，更多的文人逃避仕达，处于半隐居状态的生活，慢慢形成了元代“文人画”。


《富春山居图》六百年流传简史


《富春山居图》有两幅，一幅至正七年开始起稿，经过三四年之后才题款，历经十年完成，是绘赠“无用师”（据考证为 郑无用道士）的。另一幅被认为是“伪迹”，称为“子明卷”。图上款识：“子明隐君将归钱唐，需画山居景，此赠别。大痴道人公望。至元戊寅（一三三八） 秋。”从这段题款可以知道此画是为“子明隐君”画的，公望年70岁。上幅“无用师卷”公望年82岁。从这两幅题款看，相差12年。

《富春山居图》的“子明卷”曾被清乾隆所得，并被认定是“黄公望真迹”，爱不释手。每观赏一次就题诗一首，先后题了48年、50多处，而且仍然意犹未尽，最后在前隔水题有“以后展玩亦不复题识矣”的识款。此“子明卷”现藏台北故宫博物院。

被认为是“真迹”的“无用师卷”，自郑无用道士收藏后，经过一百余年，到了明朝在苏州重现，最初由大画家沈周收藏，大约在成化年间被董其昌在北京购到，并珍藏于书禅堂。董其昌在万历年间将此画卖给了吴正志；吴正志又将此画传给他三子吴洪裕。

吴洪裕是当时著名的文人雅士。他一生到死最喜两件宝，一件是《智永千字文真迹》，另一件则是《富春山居图》，于是，在他临终时，他叮嘱他儿子把这幅画烧了“炎殉”，使他在九泉之下仍可持有此画。在烧完永智的真迹“千字文”后，他的侄儿吴子文不忍名画被毁，急从火中抢救出来，可惜画的前段已被烧坏数处 （卷首部分经过修补后，题为《剩山图》，也保留下来）。


大约在1730年间，画卷的主要部分流落到了中国绘画重要的收藏家安岐手上。他先是收藏了仿本，才又收藏了真品。当时安岐一心想找到《富春山居图》，所以一收到仿本，就马上在空白处品评题字，一共题了55处，整幅画变得面目全非，而真品却由此逃过一劫。从此，这幅长卷分为两段，后段现存台北故宫博物院。前一段在抗日战争时期由现代名画家吴湖帆先生收藏，后由浙江博物馆收购珍藏。


什么是“文人画”


所谓“文人画”的看法，主要表现在三个方面：
一是强调审美趣味，正如“元四家”的代表人物倪瓒所说：“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”画画用于“寄兴”，表达自己困境，发泄愤懑。
二是对笔墨的突出强调；他们认为绘画本身的线条、色彩、笔墨能够反映作者的精神境界，他们把题材和风格上的平淡视为美德，目的是在平淡之中表现出细腻动人的特质，《富春山居图》则是“文人画”的标准样本，平淡有致，淡泊简劲，是典型的文人气质的完美体现。
三，从元代起，画家门开始在画上题字作诗，形成诗、书、画、印的结合。元末时期，画家们大量使用宣纸，因为纸比绢更便于发挥中国画笔墨的皴擦、渲柒效果。


怎样欣赏《富春山居图》

从现存的画卷看来，此画是从宁静的河岸开始，展开了一幅非常平静的江南风光，接下来我们看到了一座山峰，和其他两座一样，高耸起伏，将画面分割成了数个长短。它先向右弯，继续前进时又向左倾斜，中间夹有山谷，谷中有一些隐者的重楼。在接下来的段落里，我们能在山谷里看到更多的房舍，前景可以看到松树，松树林中有一间小凉亭。观者只有在全心投入，融化在章法之中才会看到画中浮现的精神由于卷轴本身就是用来近视。

　　整幅画卷的构图生动而有层次，焦点从前景移动到中景、后景，视线有时被带到远方后，却又立即被拉回到了前景来，山脉与黑色树丛之间蜿蜒迂回的激荡，被后世的画家称之为“开“与”合“。第二座主峰继续向斜后方退去，以一道一道平缓的斜坡落入水面，墨色逐渐转淡，终于消失在烟雾里，依然平淡有味，这是元画一贯的特色。黄公望将全画构图中最热闹的一段放在背景中：从大片的松林中望去，有一位渔夫，另一位则在松林的右边，而松树下的凉亭中有一个人在凝视河中的鹅群。

虞宅与美丽

幸亏有"文人画"，不然中国这些不得志的career warm（见Juju贴）， 何以遣没有官做的人生？

dootbear

虞宅与美丽 发表于 2012-8-25 22:42
幸亏有"文人画"，不然中国这些不得志的career warm（见Juju贴）， 何以遣没有官做的人生？ ...

自古中国文人只有一条路： 做官

万般皆下品，唯有读书高。

而读完书后， 又因为各种原因不能做官或者丢官。

心中的不忿， 忧愁和恨可想而知有多大啊。

唉唉。

dootbear

忏悔的抹大拉

贪赃枉法，雁过拔毛的潜规则，造成高铁惨剧、哈尔滨大桥倒塌……以及红色夫人毒杀英国人，不用穿囚衣带手铐，更不用五花大绑，屏幕上看到她肥肥白白，精精神神。法律面前人人平等？唉！原来拉扯的弹性大于鬆紧带。宣判后红色夫人还讚扬判决是「对生命特别的尊重」。一齣齣折子戏震古铄今，不知官僚们几时良心发现？对冤魂亡灵有所忏悔？

勐然，想起抹大拉玛丽亚福音其中一节：「留难我者已被杀，阻挠我者已烟灭。我的欲望已消失，我的妄昧已逝去。我已从世界及瞬间的枷锁中得到解脱及提升了。自此，我已达至真正的歇息，让时间停留在永恆里，回到宁静之中。」

神秘画家

传说抹大拉的玛丽亚曾是一位妓女，约旦河西岸最美丽的女人。人们说她是淫荡的化身，有一日众人要拿石头把她处死，因为她犯了奸淫罪。耶稣说：凡未曾犯过奸淫，心中没有动过如此念头的人，可以先朝她丢第一块石头。于是，那些原本手上紧握石头的人，一个个放下了石头离开了。耶稣拯救了她，使她弃暗投明，专心修道成为有名的圣女之一。

《忏悔的抹大拉》对生命的尊重及死亡的正视，要数法国画家乔治·德·拉图尔的经典之作，最耐人寻味！

乔治·德·拉图尔（Georges De La Tour, 1539-1652）生于洛林公国，后并入法国，他一直在故乡洛林（Luneville）生活。他的画风深受意大利画家卡拉瓦乔（Caravaggio）影响，擅长採用明暗的对比，但他的作品更具有鲜明的个人风格。光线和阴影的变幻烘托出特殊的效果。拉突尔的作品称誉十七世纪的经典。在世时没作过一幅自画像，他是一位较神秘的画家。死后人们也渐渐澹忘了他，直到二十世纪，才再度受到重视。

拉图尔是一个非常神秘的画家，因为太过神秘，正确的生平和经历至今仍不明确。只知道他1593年3月19日生于吕内维尔附近，出生地隶属于洛林公国（Lorraine），父亲是面包师傅。1652年1月30日卒于同地。1617年拉图尔娶了戴安娜为妻，妻子比他大两岁，是名门贵族的独生女，有丰厚的嫁妆陪嫁。拉图尔跟妻子在岳父死后搬进岳父的豪宅里，生了10个小孩，但只有长子活到成年。　拉图尔在世期间可谓名利双收，在他的年代非常成功，但死后却很快被人遗忘，开始默默无闻。直到二十世纪。现在他被认为是十七世纪最重要的法国画家之一，被人们尊称为“烛光画家”，他是极为特别的，极为个性的画家。他坚守着自己的绘画理念，在烛光的方寸之间描绘着自己的天地。造型简洁、背景井然、用色素雅而明亮、极富表现力……

他的大部分画作都在刻画夜晚的场景，采用单独的蜡烛或火炬作光源产生阴影，营造出强烈的对比。从而形成了自己单纯简洁，一目了然的绘画风格。避免了许多作品中烦琐的背景描绘，融会，这其实也是一种非凡的本领，更是画家于简单中见真知的卓越洞察力的体现。他不仅用独特的手法刻画夜间，而且在他刻画白天的绘画上，又可以看出使用了非常精湛的用色技巧。但目前有一部分人认为他的一部分画作可能并非出自他的手笔。

虽然拉图尔创作的题材主要是宗教画和风俗画，但两者往往又彼此糅合，作品中无论是人物还是周围的环境都极其朴素、真实，富有日常生活的特色。他的宗教题材也没有神秘气氛，笔下的圣母和圣经传说中的人物，有如形象质朴的农民，有一种端庄自然的美。他擅长描绘光线与阴影，画作特色在于利用烛光来创造独特的效果，人物在烛光下忽隐忽现，光线的变幻细微精致，气氛平和的情境，充分显示其艺术特色。

代表作有《约伯和他的妻子》、《牧人来拜》、《玩牌的作弊者》、《油灯前的马格达丽娜》、《使徒彼得的否认》、《木匠圣约瑟》、《圣爱莲哀悼圣赛巴斯蒂安》和《忏悔的抹大拉》等。


拉图尔的《忏悔的抹大拉》没有迎合众说纷纭的情趣，以细微、精緻、生动的写实手法，描绘了女性的本色丽质，即使手扶骷髅头骨，也不会让人感到不安。画家怜悯代替奉媚。画中利用光焰营造独特的气氛，所有的光线都来自一隻普通的玻璃杯，里面放了一根粗棉灯芯，却是无比光亮耀眼。

充满情愫

玛丽亚的眼睛，凝视着昏暗中唯一的光源，成了绝妙的视线焦点。她在黑暗的空间冥思，观赏者见不到世俗的身份，柔顺的美髮垂落后背，低首专注地忏悔过去，思索生命的意义。她右手扶着搁在膝盖上的骷髅头，左手托着香腮，那骷髅头启示人要勇敢地正视死亡，同时尊重曾有的生命；简陋的枱面上放着两本厚厚的经书以及并不华贵的木製十字架，衬托了虔诚的信仰和修炼；还有一条皮鞭子象徵沉痛的忏悔。烛光忽隐忽现映照在忧鬱而年轻的脸庞，彷彿是承受着哀伤的重负，在为过去罪恶闭关苦修。

清醒、沉静的画幅，没有複杂的背景，看似极其简单，画家以简代繁。亮度和阴影的差距。产生出充满情愫的主体魅力。画面用的色谱并不广泛，主要是不同色调的红棕色，与玛利亚的白色内衣形成鲜明对比。不论是对于「光」的捕捉或「色」的运用，拉突尔均环绕形象，糅合出质朴、真实、亲切、端庄的自然美。从而通过角色的神情，挖掘更深层的人性呼吁——不管幸与不幸，都要正确面对，儘管生命充满纷扰和困苦，仍应该尊重生命，包括尊重别人的生命。

眼看这些达官贵人，只知道自己和家人身娇肉贵，为了达到私欲，丧失了对别人生命的尊重。如果他们忏悔？死者的头颅已被焚成骨灰，抚摸不到了！无所谓啦，反正红色贵族都是无神论者，根本不须苦修做圣女或圣男！

香港信报： 2012年9月1日 益行 读画