转载 --- 邓柯 ·评 《中国好歌曲》 更新第6期 刘欢组考核

kiwi8

《中国好歌曲》S02E01

邓柯 ·

流行音乐人有两种发展模式，一种是歌手，一种是唱作人。歌手的专辑通常由唱片公司负责定位、企划，然后再由某个自身制作人负责收歌、编曲、制作，乃至宣传发行等等。当然，公司会在音乐制作上考虑歌手的自身条件和个人意愿，但总体来讲，歌手的作品会相当程度上体现唱片公司的意愿，而专辑制作过程也会相当地「标准化」。

而唱作人虽然也需要由公司负责唱片的宣传发行，但因为他们自己具备创作能力，而且早早就确定了自己的音乐方向（通常会在未出道前、还在学习音乐的时候）。所以他们会包办自己专辑的词曲制作，并尽可能多地在其他环节参与意见，从而让自己的作品更具个人特色、保留更多的创作意图。（大部分乐队都属于自己创作自己表演的「唱作人」范畴）

《中国好歌曲》是中国第一个选拔唱作人的节目。这个节目不光考察选手的写作和编曲能力（不一定要求你自己编出成品，但至少要有想象编曲方向的能力，或者判断音乐总监帮你选择的编曲方向是否正确的能力），也考验歌手的表演能力（绝对演唱能力、搭配演唱和音乐风格的能力、「人歌合一」的能力）。

要求多了，考量的标准自然复杂，就更难作出「好」或「不好」的结论。但《中国好歌曲》更应该是一个帮助观众发现音乐、启发思路和拓展视野的节目，不一定会热烈酣畅一气呵成，但绝对会别有洞天，值得细细品味——不论是节目，还是我的文章。

P.S 本季《好歌曲》的点评的切入角度和分析内容会和《我歌》不太一样，一些具体术语不会充分展开（因为术语同样需要术语来解释，全展开了就是上音乐课了，从头。所以就点到即止了），所以文章的字数可能会略少，但信息量绝对够多。


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一、昭昭《送春》

比较常规的英式摇滚。这种风格只要音色层次到位，选好节奏型，保证了律动驱动力，就可以实现不错的效果。《送春》词曲不错，但也谈不上出彩，亮点在于副歌的「Oh.oh.oh.OHOH」，抓耳。

这种风格一定要有一个爆裂的 solo 在间奏时甩到听众脸上（通常也是吉他手耍酷的时候），昭昭没安排这个环节，总让人觉得心里缺了点什么，不过他设计了动作表演作为弥补，也算可以接受。


二、农民兄弟乐队《我的番茄是干净的》

乡村（Country）打底（注意乡村是美式风格，源自美国乡村，具有很多布鲁斯的特征），清新明快，歌词很接地气切合社会热点，热闹，上口。间奏的吉他 solo 很漂亮、是很正的乡村味道，笛子 solo 跨界混搭得很好，而且契合歌手身份。

有两点：1、主歌只有四句就进入了副歌段，展开得有点不充分。主歌通常承担着描写、叙述、铺垫的作用，有了主歌的预热，副歌的抒情、感叹才能更充分，对比也就更强烈。2、乐队本来有七个人，想象一下他们都在台上，主唱唱「你上天就坐打飞机」，一帮老爷们「我的番茄是干净的」，多带感，标准的 Call & Response 结构。但如果只有两个人上台的话，主歌再不做修改，「我有一片小菜地」「小菜地」，旋律节奏都一样，就显得贫了。应该做些调整。


三、杨宇《最遥远的那颗星》

口水歌，看起来没什么硬伤但完全没亮点。和声太大路化，旋律能听出在为了抒情而刻意抒情，但又很干瘪无力，根本推不动情绪。歌词的话，前面的平实叙述没什么问题，但主歌结束后向副歌段中「最遥远的那颗星」的过度完全不 make sense，感觉是在往这个意象上生靠，根本没有层次递进。那句「无论外界事物怎么变」太出戏，文风扭转得也太粗暴了，好歹调整成「外面的世界」嘛。

抱歉没留情面，因为这歌的水平和其他作品差得太远了。节目组选这歌也是为了让听众们看点故事，毕竟有收视率的压力在，可以理解。


四、苏运莹《野子》

这歌本身我个人感觉一般，歌曲前半部分是比较寻常的抒情流行歌，很安全的钢琴柱式伴奏，歌词也是比较走心的流行歌的感觉。但进入副歌后的旋律线条出现变化，第一句「吹呀吹呀」把 7 变化成了 b7，同时其他声部仍然按原先的大调式推进。这里是整首歌的特别之处，但这种冲突的效果……见仁见智吧，我个人认为色彩变化还是有些突兀的，应该可以调整得更连贯。

此外副歌中苏运莹的咬字（「无所谓扰乱我」，「谓」和「乱」的咬字刻意放慢了速度并增加了力度），和 C5 以上颤音都比较有特色，不知道是不是受到她本民族的音乐的影响。有种特别的感觉，让人印象深刻，但目前看来串联得并不算特别有机。演唱音域达到 G5，很为表演加分。


五、赵牧阳《侠客行》

震撼的歌，而更让人唏嘘的是歌者的境遇。在中国本土音乐最辉煌的日子里，赵牧阳的名字频繁出现在各种现在听来都堪称传奇的专辑内页里，比如《黑梦》、《在别处》、《鲍家街43号》等。90年代大陆乐坛的疯狂生长掩盖了市场的荒蛮，而一旦大环境萎靡，这些隐忧便加倍地显现出来。以往的中国乐坛从来都没有出现过相对公平的利润分配规则，尽管乐手们和歌手共同完成了那么多经典的作品，但在唱片大卖特卖时，公司却不会为乐手付一分钱。那么当流行音乐的寒冬袭来，老总的庄园变成别墅、歌手的宾利变成奔驰、音乐总监的斯坦威变成星海，而处在行业链条底端的乐手们，就从郭林家常菜变成统一老坛酸菜牛肉面了。赵牧阳如今站上了电视舞台，收获了关注与感叹，他哥哥的病有救了，而他也不再会生活得那么窘迫。但其他的赵牧阳们呢？非逼着他们也去参加电视真人秀，然后再把自己苦难摆到公众面前博同情吗？想发展文化产业，提升文化软实力，就要善待艺术家们，要善待那些创造内容的人，别等着人家饿肚子了再送温暖。好好规范一下市场，用制度保证创作者们能拿到那些本属于他们的钱，才是正道。

哎，事儿一说深了就容易激动，还是讨论音乐吧。西北民歌的重要特征就是「双四度旋律结构」，即连续两个四度跳进（比如《山丹丹开花红艳艳》）。四度是个很特殊的音程，尽管也相对协和，但连续两个四度叠加起来的音程确是不协和的七度。同时，旋律线条中频繁出现的四度跳进使得旋律显得相当不流畅。这种参差交错的旋律好像遍布沟壑的黄土高坡，又好像粗豪中又带着迂直的西北汉子（对比一下江南民歌《茉莉花》，32356516535，干脆就是五声音阶嘛，柔得不能再柔了）。

做了个「双四度旋律结构」的谱子，供参考：


赵牧阳用耿直的西北民歌打底，加上奔放中带着点悲怆的秦腔，辅以刚烈威猛的大鼓，再加上硬摇滚（省略三音的摇滚强力五和弦其实和中国五声调式非常搭），活脱就是这些年赵牧阳的隐居苦行的写照，而琢磨起来，歌中每个元素都呼应着歌者的阅历。再无多言，唯有「人歌合一」四个字。

感谢赵老师多年前为我们奉献的那么多传奇的音乐，向您致敬。


六、苏紫旭《没有你》

诗是与音乐最匹配的文字形态，诗人的思考能赋予音乐灵魂，所以要么怎么说「诗歌」呢。优秀的诗人离音乐都不会太远，而在几乎没有人读诗的当下，诗人们全去玩民谣了。这不是坏事，音乐形态有简有繁，而掌握技法是需要大量练习的。对于诗人而言，形态上相对简单，掌握起来更容易的民谣（Folk）便成了音乐风格的首选。民谣当然有很多优秀的作品，但不得不说，单薄的音乐能力却也严重地制约了他们作品的艺术表现力。

但也会有极其优秀的诗人，他们在保持思考的同时，又不断磨砺自己的音乐表达方式，避免因技法局限而限制了艺术创作。这样的艺术家是难得且珍贵的，比如 Leonard Cohen，比如李志。

具体到苏紫旭，他的音乐表达能力非常强。风格上有很深的元素混搭：用了 6/8 的布鲁斯底子（切分律动、节奏型、配器），但搭配的是流行化的七声大调；演唱风格大体以摇滚为主，但时常会出现 R&B式的很精致的转音，大部分演唱都刻意增加了沙哑音色（力度很大的真声演唱），但有需要时又能迅速切换到假声或者混声位置，且音色不会变哑。音域 E3 - #C5，有个高音 E5，比很多专业歌手的音域还宽（演唱质量也不差）。有诗，有思考，音乐上有灵性还有条好嗓子，自然很有冲击力。期待他以后的创作能把他的诗歌和想象，从更丰富的角度进行展开。

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《中国好歌曲》S02E02

邓柯 ·

一、那吾克热·玉素甫江《漂》

很完整的说唱作品。音乐很丰满，纵轴上看律动强烈，织体搭配得当，横轴上观察，曲式段落安排得也很有层次，副歌演唱把两段汉语和维语的说唱串联得很舒服，情绪推进上也很连贯。我很喜欢。

说唱说唱，归根结底还是「唱」，不是朗诵。很多歌手在跨界「说唱」时还是按照寻常演唱时字正腔圆的咬字方法，念得太抑扬顿挫，冲击力就会不足。像那吾克热这样专攻说唱的歌手则会把语音提到很高的位置，和普通语音拉开一些差距，这样情绪就会饱满。

那吾克热的另外一个优势在于语言。跨文化的吸引力大家心中都有数，不再展开。谈个重要的技术细节吧。说唱本质上其实是种把旋律简化到极致、把节奏上复杂到极致的音乐。中文是世界上少量属于表意文字的语言，在信息量大致相等的情况下，属于表意文字的中文的字数是少于英文、维吾尔文等拼音文字的。而且汉字基本上都是单音节，即一个字对应着一个音节，而拼音文字中大量的单词都是多音节单词。这就造成了一个现象：信息量大致相同的情况下，中文的音节密度是相对较低的，可以为说唱歌手提供创作素材的音节数量，要少于英文、维吾尔文（注意！这并不能推论出中文不适合说唱，我只是从语音学和作曲的角度来阐释这个现象）。中文也可以把音节密度提高，但假如不是用无意义的发音填充，而只是增加语速，造成的结果就会是信息量暴增，观众无法有效接收。比如相声桥段《报菜名》，比如华少在好声音的开场词，信息量太大了观众是跟不上的。

但那吾克热的语言优势就可以在这里体现出来，他可以灵活地在不同语音密度的三种语言中来回切换。比如大部分的说唱都使用的中文，但在需要炫技、需要爆发的桥段，他一下切换到音节密度暴增的维吾尔语，带来的冲击力是无疑伦比的。他的说唱创作素材要比其他歌手多了一个维度，利用好这个优势，他的前途不可限量。


二、羽田《让你幸福》

挺顺溜的一首歌，现场反响应该还不错。总体风格比较接近常规抒情 R&B ，旋律和声有些「伪五声中国风」的感觉，即旋律采用相对传统的五声，但和声上并不回避 IV 级，且和弦内音也不回避 4 7。再加上歌词中的亲情主题，还是给了听众比较明确的想象。

但矛盾之处在于，羽田的演唱在唱腔上用了很西化的 R&B 转音，咬字和颤音很用力也比较时髦，和亲情啊幸福啊「把家扛了二十年」的感觉，稍稍有点调性不搭。「知道你拥抱背后」旋律位置在 7，和之前的五声感有冲突。如果是我，会回避掉 7，或者从开始就用 7，这样旋律的感觉就会相对连贯且前后呼应。羽田唱得很好，频繁的 #C5，还有假声 E5，很推现场气氛。


三、裸儿《会飞的野马》

如果单看裸儿演唱完毕后和导师们的对话，观众可能会觉得怪怪的，其实她的音乐更怪。

第一段主歌虽然是四句歌词，但时值上撑了五句的长度。第二段主歌是无意义的吟唱，但在六句之后浑然天成地切成了歌词，而且是点题句「我是一匹会飞的野马」。现在来倒推分析，这看起来都算不上大改动，但厉害之处在于突破了大众固有的听觉惯性——大家本觉得理所当然的事情，却被裸儿搞得另生枝节，但好像还挺自然而然的。

这是特别巧妙的作曲手段，轻描淡写间就把听众的注意力撩拨起来，比加音量、加配器、提音域要高端得多。别忙，这种对惯性的挑战后面还有，比如段落。其实她的歌都不能用一般意义上的主副歌结构来划分，前两个乐段的和声、旋律乃至长度都完全不一样，第三乐段（「奔跑，奔向极乐世界」）连调式都变了（之前都是小调，这里有暂时的大调离调）总该进高潮了吧？结果还不是高潮，后面还有「飞呀飞呀」。然后还有口技（应该叫什么？我知道肯定描述得不准确，nnd 能把我搞词穷了也挺不容易呢），还有彭飞老师在编曲层面上堪称点睛的小提琴间奏。

我不敢肯定这是她精巧的设计，还是混杂了理性和感性的倾诉。但这个女孩子确实很厉害，把这么多的元素东砍一刀西敲一锤，然后自己重新拼贴串联了起来，还搞得那么流畅。

不知道大众对裸儿作品的接受程度有多高，但她应该是那种在表达上比较被动和自我的人，欣赏她的作品需要观众们去主动发掘。我喜欢。


四、刘雨潼《等风来》

优美的作品，精湛的演唱。F 大调，F3 - F5 ，这个音域非常高了，而且他的高音，也是全曲最有特征的「彼岸花开」是从 C5 到 F5 的快速连贯上跳，难度极大，对真假声比例的控制力要求极高，刘雨潼无论强唱弱唱，都能顺利完成，实力恐怖。

这歌另一个很有意思的点在于全曲淡淡的中国风，没有特别明显地在旋律里用五声音阶，或者配器上用琵琶轮指来推「中式」感。但巧妙之处在于刘雨潼用活了「腔」，即把乐句中最后一个字咬住，并发展出一大段旋律，这是也中国民乐中最重要的特征之一。歌曲旋律里出现过 4 没关系，伴奏中出现低音半音上行也没关系，长音中咬出这个民歌腔，「中国风」的感觉一下就出来了，还是用那种不着痕迹的方式。

一表现「中国」就老想到老传统，一拍中国宣传片就要用京剧脸谱、剪纸、长城，其实是种文化不自信的表现。这些元素都很中国，但我们的传统审美可以在现代化的表达手法中延续和变化，而不是总停留在老祖宗的形态上。求其意，而非拘其形，至少这首《等风来》，相当程度上做到了。


五、雷雨心《记·念》

去年在知乎就有人邀请我如何评价 Rainbow（雷雨心所在的福州一中的原创音乐创作计划，每年发一张专辑）。当时我听完已经发布了的《红》之后的回答是：

1、作品不错，起码我高中时搞不出这样的东西

2、从唱片角度来看比较完整（商业化词曲、MV、整体视觉包装及宣传文案媒体运营等），网络化的一代获取信息太容易，稍微有点指导思想，体系化一下的话……不可限量

3、一些具体的技能已经达到准专业水准了，但是，从音乐上看，还处在仿写流行歌曲的状态，缺乏深度思考和专业音乐视野，而这恰恰是非专业音乐环境里很难获得的东西。起点很好，但想以后干这行的话，还是建议尽早开始专业音乐学习

4、未来的商业化潜力还是挺高的，但是作为产品，状态还太初级，还要经过狠狠打磨。音乐是个是高风险高回报的产业，不狠砸资源（不光是钱），是玩不转的。

而升入高一的雷雨心很快就超越了她 Rainbow 里的学长们。《橙》中收录的两首她的作品《记念》和《游走》，在旋律、和声上都优美流畅，有小女孩的清纯想象，但又没有幼稚和扭捏。只是表达手法上限于阅历和功力而稍显青涩，一旦拿到专业团队手中重新编曲，就是非常精致的流行音乐成品了。

雷雨心完全具备了出道的条件，可以说她就是棵大摇钱树，大师们老板们肯定都盯上了，就不用我瞎操心了。我更想向 Rainbow 所在的福州一中校长致敬——我翻了和 Rainbow 相关的报道、帖子，这个项目没有学校的支持是做不起来的。能在升学压力（某某一中通常都是好学校没跑的）下尽量给学生们营造出追求艺术、享受艺术的空间，这些孩子们以后的人生一定会很幸福，因为他们更会审美。（当然，我的校长也！很！好！以后有机会再讲 ^_^）


六、人声兄弟《战孤城》

阿卡贝拉（A cappella，无伴奏合唱）的对歌手要求比较高，但演出效果非常炫，很抓耳朵。现在比较新潮的阿卡贝拉组合（比如人声兄弟）通常会配置一名 B-box（来丰富人声的声部），也不再是严格意义上的无伴奏演唱了，用「人声演唱组」来描述会显得更贴切。

但阿卡贝拉的问题在于表现力有限。创作纯阿卡贝拉作品时会受到人声音色和演唱法的限制，音色、旋律都受限太多。比如不能写跳跃太大的旋律（容易唱跑）、音域不能太宽（嗓子够不着）、音符还不能太密集（舌头不够快）等，叠加下来总体的表现力就相对有限了。而靠乐器支撑起来的有力度、有深度的编曲，留给人声的空间又不多，阿卡贝拉存在的意义又不大了。说到底，阿卡贝拉的表演意义大于其音乐本身的意义。世界上确实存在优秀的阿卡贝拉作品，但从唱片工业的视角来看，阿卡贝拉不是一个主流品类。

具体到人声兄弟的这首作品，在阿卡贝拉这个源于西方宗教圣咏的音乐形式中，融合了中国民乐及 R&B 元素，想法挺好的。人声兄弟的演唱中一直有小音准问题，而每个人的小问题就叠加成为整体的大问题（阿卡贝拉的音准一定要扣得特别准，因为四人彼此构建和声），所以我听着总是出戏。当然这只是我的个人口味，并不妨碍其他朋友喜欢他们。


七、罗中旭《恋人》

在我上学的九十年代，大陆乐坛基本被港台碾压，欧美音乐和大陆摇滚乐又分流了一小部分高追求群体，大陆流行乐在当时的年轻人群里相对边缘，但，基本上每个听歌的孩子都知道罗中旭的《星光灿烂》——但大多数情况下也只知道这一首。所以我看到他站在《中国好歌曲》的舞台上时，心里确实很感慨。

我作为晚辈，不去揣测罗中旭老师作出这个决定的原因。但我相信，一定还有很多像罗中旭老师一样的音乐人，在荒蛮的中国乐坛出道、成名，然后就迅速地被标签化、脸谱化，而他们的成名曲也成为了束缚他们的最牢固的枷锁。我承认有不少「一首歌闯天下」的歌手，但何尝没有像罗中旭老师这样，写了新歌老板不看好观众不买账走到哪都被迫表演「那首歌」的歌手呢？成长在互联网时代的年轻人，可能真的无法想象那种力作在手发表无门的愤懑，即便你是成名歌手。

所幸，现在有了《好歌曲》，而罗中旭还有勇气。

具体这首《恋人》，倒没必要谈得太多。歌曲本身优美隽永，质量过硬，配得上罗中旭的江湖地位。搁在当年不突兀，放在现在也不过时，很醇厚但又没太多时间感，就像罗中旭那张还很精致的脸。这歌对于罗中旭更重要的意义在于，唤醒公众的记忆、撕掉自己身上的标签，然后重新用音乐展现更真实的自己。

kiwi8

《中国好歌曲》S02E03

邓柯 ·

本季已经播出的三期《好歌曲》已经远远超出我的预期，而本场乐评迟迟未能写完的主要原因，也是参赛作品太过优秀，而我需要时间找到更好的思考和解读角度。如今再去审视《中国好歌曲》和《我是歌手》这两个档期重合、堪称中国最优秀的音乐电视节目，我认为《我是歌手》确立了流行音乐的新的顶级行业标准，《中国好歌曲》则拓展了中国流行音乐的内涵与外延。

我是个很在意形式美感的人（要么我如此重视歌手的音准节拍歌曲的词曲咬合和声连接编曲逻辑），所以我写系列点评时也非常注意在分析视角和行文节奏上尽量保持统一。但就像上文所说的，《好歌曲》越来越超越事先所预期的边界，有些作品已经不能用原本的「流行音乐」所归纳划分，所以分析需要在篇幅有所取舍。略过的作品不一定差，但我会把精力集中在那些更有深度、更需要被解读的作品上。


一、陈萝莉《小伞》

流畅的作品，音乐剧感很强，属于从细节切入以小见大的写法。意境、配器、包括词曲和声的起承转合都构建得很工整。相对于十九岁的年纪，作品已经很完整了。


二、杭盖乐队《杭盖》

杭盖，堪称艺术家的乐队，再一次丰富了《好歌曲》的音乐形态，拓展了公众对「流行音乐」的认知边界。

在很长的一个时期内，公众，文艺界人士甚至是音乐人（包括音乐家和流行音乐人们）都下意识地把「传统音乐」和「流行音乐」区分、甚至对立了起来。但在我看来它们并不矛盾，它们的本源甚至是相同的——只不过在不同的时代，被不同的传播渠道塑造成了不同的形态（这是个很深的问题，有机会再展开）。流行音乐不是凭空跳出来的，流行音乐相当程度上是在传统音乐的基础形态上演变、发展而来的（当然也从古典音乐中得到了大量借鉴）——比如占据欧美流行音乐半壁江山的黑人系音乐（Blues, R&B, Soul, Funk, Hip-hop, 早期摇滚乐等等），都能从黑人传统音乐，甚至是非洲部落音乐中寻找到清晰的发展脉络，而其他主流流行音乐风格（Pop, Country, Folk, Latin）等也都能寻找到相应的传统音乐源头。

我们中国的传统音乐在流行音乐上的投射呢？有，但还太少。这并不是在指责谁，因为我们的流行音乐产业仅仅发展了三十年而已，缺乏产业支撑，产品的制造工艺自然不高。现在富有中国特色的文化产品越来越多，但还远远不够。究其原因，一方面许多艺术家对音乐传统还是太过坚持，太强调「原汁原味」，往往体现出面对发达文化产品时的不自信，而另一方面，一些音乐人对传统音乐的流行化改造还停留在具体形态的使用上（调式、音色、演奏法等），未免陷入局部。具体的思路和方式，业界还在探索，还需要大量的创作实践作为基础，才能提炼出方法和原则。

现在这种状况正在发生改变。当然最深刻的原因还是经济基础的飞速发展为文化产品的丰富和多元奠定了基础，同时公众文艺需求的增加和对文化认同感的渴求，必然会在更深层次带动中国传统文化的产业化开发。

杭盖乐队是个成功的案例。具体看《杭盖》这首歌，在表现形态上使用了很多摇滚乐器保证了感官冲击（失真音色、节奏冲击力），但保留了歌曲的蒙古内核（曲式、调式），在词曲呈现上又一定程度上贴合了当代听众的欣赏习惯，各方面的力度拿捏得很好。这种老练的分寸感，同样体现在他们的其他作品上。而更重要的是，杭盖对「产业化」抱有积极的态度，不仅体现在音乐创作和表演上，也体现在对大众娱乐平台的积极配合上。老拔高成「弘扬传统文化」沉重且无趣，先把观众们伺候爽了，那些精髓自然也就传承下来了。

我很少在乐评里推荐节目以外的音乐，但今天我想贴一首《嘎达梅林》。《嘎达梅林》是我国作曲家辛沪光（三宝之母）1956 年创作的歌颂蒙古族英雄嘎达梅林的交响诗，而古筝演奏家、跨界音乐家王勇又在此基础上进行了摇滚化改编，同时又加入了传统乐器和电子音色。王勇和杭盖的创作，对中国民族音乐的现代化发展，有着极大的借鉴意义。


王勇毒莲体现场——《嘎达梅林》
http://v.youku.com/v_show/id_XNDgxODAzOTEy.html


三、刘润洁《情歌2》

歌词的形态感很强，三字一顿很强化节奏感，并且还能随着乐段的发展通过微调切分点来烘托气氛，是很精妙的点。

稍微特殊一点的部分，也就是海泉所说的「复古」感，来自于她的和声进行。一般来讲尤其是这种抒情作品，要讲究和声连接得流畅，常常使用过渡和弦用以避免声部跳进。但刘润洁的和声用得相对硬朗，比如副歌段「我的心一朵花一片叶一个世界」，I - IV - VIm，且都是原位和弦，不能说突兀，但至少有些棱角，并不像歌词和旋律中表现出来得那么柔和。算是个能在一首小歌里引人关注的细节吧。


四、关涛《妈妈 我不想再唱悲伤的歌》

酒吧味很浓的民谣弹唱作品。音域 D2 - G4，两个半八度，非常宽。很多歌曲音域之所以宽，是为了给歌手预留炫技空间，而关涛在主副歌里就直接写到了两个半八度，这就导致了主歌部分的旋律位置太低，已经近乎说唱，声音质量很差。旋律的写作也有些问题，句尾长音，尤其在主歌段，频繁落在和声根音位置（他的伴奏原位和弦太多也是个问题），这会使歌曲和声音响过于空洞和单薄（这也是和声写作中为什么要避免出现平行八度）。相应地，歌曲也没实现出两个半八度的音域应该体现出的巨大情绪差。

当然，关涛的词和全情投入的演唱在相当程度上弥补了旋律和和声上的缺陷，使得这首歌还能成为一首相对感人的作品。


五、刘胡轶《从前慢》

刘胡轶 @白露苍茫 是我的朋友，去年在我写《我是歌手》第二季乐评的时候我们在知乎上认识，聊得很投机，尔后他在犹豫是否要参加《好歌曲》时，我狠狠地怂恿了一把，还帮他分析了第一季《好歌曲》的选手（年龄段性别籍贯、作品风格特征元素），并且以此为依据做了一些定位和选曲建议（怎样结合自己条件选风格、选表演形式等等）。我甚至还参与了他的小样制作，但最后他拿去参赛的作品和我当时的建议南辕北辙——这可能就是「和而不同」吧：尽管审美观价值观很接近，但投射在创作中还是呈现出了迥异的形态。

具体到歌曲上，技术细节都没什么可挑的（毕竟人家上了那么久的学还给那么多大腕干了那么多的活），但风格却很值得玩味。「中国传统音乐」是个很大的内涵，不仅在地域民族上有广阔的横向分布，在时间纵轴上同样有着丰富的素材。刘胡轶截取的点就很有意思，单从音乐形态上，比较接近古典化的艺术歌曲，隐隐顾及了流行歌曲的二段式结构，又没有那么泾渭分明。配上木心老先生的词以后，二十世纪初的民国艺术歌曲感就愈发明晰了。音乐史上都有的细节不去多谈，简而言之民国艺术歌曲就是用西方的作曲技法（浪漫派为主，注重形式美感），述说中国知识分子情怀（细腻、含蓄）——不一定非要用五声，不一定非要用民乐，但一样可以写得很「中国」。而这样的艺术歌曲，配的是木心老先生那于平淡处见波澜的诗，再联想到木心的艺术生涯和人生境遇，那种阅尽世间沧桑、笑看峥嵘往事的淡泊感油然而生。

这首歌不是首格式很标准的音乐消费品，但如此沉静而精美的音乐应该让更多人听到。


六、潘高峰《节奏·爱》

在一首把意境催到极致的歌之后，安排了一首把技术炫到极致的歌，对比很强烈。歌是很正的 Funk，吉他加脚鼓的演奏非常显功力（虽然有几处速度略有不稳），而整体歌曲的切分层次和律动错位也安排得十分精妙。

很有意思的一个点在于潘高峰对歌曲速度的调整。像 Funk 这类律动感强烈的风格通常速度恒定，而听众容易对固定节拍产生律动疲劳。调整速度一方面可以刺激听众的注意，同时和歌词中「让我们把节奏慢下来」相互对应，构建了词意和音乐的联动，打通歌里歌外的分隔，巧妙。


七、许顺哲《那就枯萎吧》

非常乐队化的作品，从旋律、和声进行、桥段处理，到歌词意境、整体氛围，都是很工整的带点英式元素的流行摇滚，在九十年代中后期这就是北京音乐圈里最时髦的风格。

挑个小毛病吧，许顺哲的演唱，可以不用在一开始就沙哑。先收一点，为高潮预留空间也省点嗓子——以后如果要干这行，许顺哲的现场演出效果肯定要比唱片好很多，可以从现在就开始为巡演做准备了。


八、梁凡《阿楚姑娘》

我很喜欢的一首作品。七声伴奏配五声旋律，同样是浓郁却不用力的中国风。旋律线条非常漂亮，足够委婉悠长。歌词很美，描述了许多细节让场景足够丰满，更有意思是他的行文节奏：「我曾和一个叫阿楚的姑娘 / 彼此相依一起看月亮」，很叙事吧？结果他给断到了段落之间了。音乐发展和文字发展出现了错位，音乐告一段落而歌词还将断未断、和声另起循环时所有听众翘首期待下文，这种感觉太有意思了。

当然《阿楚姑娘》的副歌也写得相当优美且精彩。唯一略感不妥的是「燃篝火为我守望」落在了 VIm ，是个典型的阻碍终止（Deceptive cadence）。如果是在第二遍副歌结尾马上要再反复第三遍副歌时，使用阻碍终止以回避终止感是没问题的，但在第一遍副歌的结尾，马上就进间奏了，还用阻碍终止，就显得很不流畅，应该用完全终止（Perfect cadence），让和声落在 I 级，保证和声循环的完整。

其实歌曲采用这种伪五声调式加婉约旋律的写法，很容易就写成了彩铃歌曲（前些年的网络红歌，比如《一万个理由》《丁香花》之类）。那么如何在不修改调式、不增加律动难度的前提下提升歌曲的品质呢？梁凡做了很好的示范：1、制造歌词、旋律、和声的错位；2、打破旋律行进惯性；3、改变装饰音的切分点。

kiwi8

《中国好歌曲》S02E04

邓柯 ·

序、尼格买提·热合曼《中国好歌曲赞助商品牌露出&开场播报曲》

这不是新创意，但仍然有意思，而且和《好歌曲》节目本身的调性很搭。强烈建议灿星再稍微扩写一下这段说唱，用在各个平台的推广 Promo 中，也强烈建议节目组对这个创意的执行人员予以奖励。

在如今的互联网时代，信息早已爆炸。像原来那种粗暴强调信息传播的广告（「羊羊羊」之流）只会越来越遭到唾弃，因为它浪费了用户宝贵的注意力。而有趣、有意思的创意，在广告中所占的比例会越来越重。音乐就是个特别有意思的点（当然，短视频、笑话、漫画也是，它们都是社交营销帐号的主要内容），在整合程度越来越高的现代营销中，音乐也会变得越来越重要。用音乐吸引流量、引爆话题，甚至让音乐成为广告本身……这样的例子现在已经越来越多了，而且以后会更多。

这是一个新兴领域，其中的规则和体系尚不明朗，我只能谈到这里。当然，所有的蓝海，不都存在于已知领域的边界之外么？


一、程诗迦《解药》

流畅的摇滚小歌。旋律还算悦耳但也没有过于追求流畅，还是保留了些摇滚的棱角，比如频繁上下大跳的旋律线。

决定此曲品质相当重要的因素在与乐手——吉他手对失真音色的调试、对扫弦和滞音的控制和对 Fill 的把握，相当程度上决定了摇滚歌曲的成败，而在相当程度上承担这项工作的很可能是倪方来老师，因为如果能自己独立完成这项工作的歌手，上台会自己挂把琴的。当然我并不能判断出程诗迦本人对电吉他、对摇滚的驾驭能力如何，一首歌还下不了结论，还需要再观察。

当然这歌还是蛮好听的。


二、苟乃鹏《不等你》

工整的流行歌，从词曲上虽然品不出太多深意，但形态相对完整，各个方面都有板有眼的，放在一线歌手的专辑里也不跌份。

此曲一大亮点在于苟乃鹏的演唱，中低音区沉着收敛而又不失细腻，主歌段落音域音量没有提高但隐隐有情绪推进，为进入副歌段的突然爆发预留了足够的对比空间。

而进入副歌段的 bB4 也足够震撼，对得起主歌部分按捺压抑了许久的情绪。有沙哑有撕裂，后面的 C5 甚至微微有些失控，但是又挽救（控制）回来了，不愧是《最美和声》黄绮珊组冠军。

歌不错，但这是首由人带曲、人大于曲的作品（你看导师们都是在高音驱动点推的杆）。


三、简迷离《怪兽不跳舞》

好激动，终于见到简迷离真人了。我当年在音乐学院里学的是电子音乐，所以很早就知道间迷离，也听过她们的歌，那时候音乐人都还在 MySpace 上贴作品。如今 MySpace 没有了，间迷离也出现在公众视野了，嗯，岁月静好。

法国的艺术，音乐，尤其是电子乐，永远散发着一种难以言喻的气质。德国法国是欧洲电子音乐两二强（英国都比不了），再加上我们系主任是法国留学归来、在校期间对我影响非常大的外教也是位为爱来中国的法国教授，所以我虽然受语言所限对法国音乐了解不多，但那些知名乐队我都非常喜欢，比如 Jean Jarre（电子乐鼻祖），Space（动物世界），Daft Punk（这你们都知道吧），而且能隐隐感觉到法国人那种执拗到可爱的傲慢。扯远了。

谈两个点吧。1、和声。此曲的摇滚感并不只来源与失真吉他，也源自副歌的和声形态。摇滚乐的重要特点之一就是 Pattern 式驱动，即不靠和声连接营造的色彩变化来实现情绪推进，而是靠织体（主要是吉他和声套子）驱动。在和声上反而会表现出比较「反和声」，即不采用流行歌惯常的「协和 - 发展到不协和 - 解决到协和」的套路，而直接用两三个和弦互相切换。例如 Beatles 的《Yellow Submarine》，例如 Nirvana 的《Come as you Are》。而这首《怪兽》的副歌就用了两个和弦互切的方法，而且用的是 bEm 和 bB/F-3（由低至高 F bA bB），从功能上来讲一个是小调的主和弦，一个是属七第二转位减三音。有摇滚的直接粗暴，但也有细腻和精致在其中。

2、电子音色。贯穿始终的 Lead 音色做织体和失真吉他配合就不说了，一方面，前奏的引子，用了音频采样加变型（Ptich Bend），是电子音乐中非常有特色且非常常用的方法，能够迅速制造场景变换感。同时，「这世界最甜的一夜」这句之后的 Fill，用了一个混响极大而声音又衰减（Decay）极快的音色。这里需要稍微展开一点，声音的各个参数（音量、混响、衰减、均衡等）是由这个声音的客观形态决定的。举个例子，声音有个重要属性叫做「空间感」，而听众的「空间感」则是由声音的反射声来塑造的。我们知道声波遇到墙壁会反射，我们聆听某个声音会在听到声音源直接传播到人耳的「直达声」的同时，也感受到由墙壁反射回来的一次反射声、二次反射声……这些反射声的音量、延迟、音色，决定了我们所听到的空间感（是小屋子、还是空旷的广场、还是教堂）。

但电子音乐在声音制作上完全可以突破这些规则，从而制造出完全不符合自然声学规律的声音，比如衰减某个声部的直达声的同时，提升其反射声（混响），这样的声音听起来就像是本体迅速消失但幻象仍然残留，同时这个音色的空间感可以和其他声部完全错位，就像写实的画风里突然飘过一个瘫软的钟（想象一下达利的画），很突破传统的听觉习惯。这也是电子音乐令听众着迷，更另创作者着迷的地方。

这两点把住了，只要词和旋律不要太差，风格就会极其好听且新潮劲爆。放眼世界，电子与各种风格的跨界融合越来越深入，而且电子乐元素一直在各种曲风创新尝试中扮演着重要且先锋的角色。流行化电子乐一定是未来中国流行音乐的增长爆点，音乐人们抓紧在大风将起时，占好风口啊。


四、马条《傻瓜》

颇有诗意的词，散乱中暗含着秩序与线索，相应地，旋律也看似随意轻松但恪守边界。拉开到整曲的视角看，主副歌之间，低与高、弱与强，短线与长弧，委婉碎念和怅然长叹，体现着精巧的形式没，又透着股自如的潇洒，大家手笔。

谈谈节目播出后引发热议的「小众」和「画地为牢」吧。首先，好作品不一定能得到广泛的传播，在前互联网时代，瓶颈在于传媒带宽：有限的媒体无法将足够多的优质内容传播给公众。而互联网时代即便解决了带宽问题——理论上每部放在互联网上的作品都可以简单连接到网络的各个角落——但瓶颈在于听众的注意力：听众无法从芜杂的信息中找到他可能会真正喜欢的东西。所以，永远会有被埋没的好音乐需要被推荐。

其次，「小众」只是一种音乐的存在状态，是面对畸形唱片市场的无奈妥协。「小众」既描述不了作品的特征，也概括不了音乐人对艺术的追求。我在知乎上看到一篇精彩的问答：「苦难有什么价值？」，「苦难就是苦难，苦难不会带来成功。苦难不值得追求，苦难不值得炫耀。」（via @葛易 & @罗登）。同理，「小众」也是。为了老母妻儿，从幕后走到台前、从小众即将走向大众的马条，还是那个马条。

提个小建议，歌曲尾端那句独白加得很好，如果发声位置提得更高一些、状态更接近「朗诵」一些，听感上会更连贯。


五、魏佳艺《OK OK》

还是一首摇滚歌曲，从旋律形态和编曲风格上看，硬摇滚的特色更突出一些。和第一首的《解药》类似，这首《OK OK》也是风格驱动力很强的歌曲，词曲比较流畅，没拖后腿但也没有加太多分。

歌当然还是首好歌，放在草莓迷笛的副舞台上也能撑得起场面来。魏佳艺最不确定的因素在于，除了这一首作品之外，她还有多少同等质量的作品？如果脱离了《好歌曲》上的这班一流乐手，此后还能不能保证编曲和演出的质量。


六、许钧《自己》

第一、一二三是非常有效的内容表达方式，如果表达客观信息会呈现出严谨而清晰的结构，而传达主观情感则会显得非常有层次和感染力。但之所以没人拿这种格式来写歌，是因为它难以和流行歌曲的主副歌段落结构相对接。一二三作为平行段落，如果都作为主歌连续出现会显得极其拖沓，而若在中间加入一段副歌又会破坏其递进逻辑。

但许钧的处理就相当好。常规的长短句幅变化就不提了，每段主歌相当于有八个乐句，而徐钧前四句和后四句的填充密度是不同的，后面四句的空间只填了两句词，调整节奏、也发人深思，更自带段落感。那么一二三段累积起来，进入副歌大爆发，然后再现一遍主歌段，结束。精巧

第二、如此巧妙的结构使得情绪爆发得极富力度，你甚至无法分辨到底是情绪决定了结构的特别，还是结构驱动了情绪的汹涌。主歌完成了足够的宣叙与铺垫，使得承担抒情功能的副歌段可以尽情宣泄，仅存的一句歌词也更像是情感的载体，不用再去描述，只需要体会和感受。如此富有张力的情感对比甚至不用再去像常规歌曲那样再用间奏重新开启一轮情绪推进——一个循环，足矣。

第三、真正的艺术家总是痛苦的，因为在追求艺术的道路上，那些深邃的命题永远在折磨着他们，而相比之下，磨练技法的疲累反而显得相对轻松了。我欣赏这种思考，更钦佩这样的修行。许钧能站在这样的舞台上，已经是相当意义上的成功了。但还有许多像许钧一样的尚无能力对接市场的艺术家们，在痛苦思索的同时还要承担着生存的重压。希望我们越来越富有的国家，能够对这些青年艺术家好一点，设法保障他们的基本生活，不要让他们把宝贵的精力，都用来忍受生活的折磨。


七、大飞《夏天》

感谢导演用这首足够快乐的《夏天》来冲淡上一首歌带来的压抑与沉重，用一个轻松欢快的结尾给观众们的周末助兴。

音乐有很多维度，作品立意上也有深浅之分，但深浅不能代表质量。深邃的命题，写好了深刻而发人深省，但写不好了就显得故弄玄虚不着重点。浅显的主题写不好了单薄流俗，但写好了也会简单明快直抒胸臆。

《夏天》就是首浅显中透着豁达的歌。已近中年的大飞心态依然阳光，久经沙场的摇滚老炮，上台能弹能唱 Blues Rock 玩得地道漂亮，散场了也能陪街坊朋友乐队小助理坐胡同口的露天大排档光膀子撸串一晚上喝一件普京，时不时还讲个乐翻全场的段子。抖包袱摇滚，专治不开心。

kiwi8

《中国好歌曲》S02E05

邓柯


快剪曲略过


一、陈云《你做妈妈 我做爸爸》

清新民谣加彝族山歌。主歌部分三小节一句很有民歌味道，但作为 d 小调的歌曲，旋律不时落在 E（si），和声频繁出现 G 大三和弦（d 小调的四级大和弦），和民歌感很抵触。当然，这样做有可能是用来中和歌曲中比较明显的山歌色彩的。

词的立意很好，含蓄才有玩味的空间。这是首词大于曲的作品，音乐部分没有拖后腿但也没加分。


二、苏晴《不客气》

又是一位故人。我两三年前有一次进棚录纪录片配音，录音师就是苏晴（在北京啊不在南宁，你们要知道好声音都是写选手籍贯的。要是写选手居住地，那八成都在北京一成在上广，其他地区的观众就该不爽了）。她干活干净利落，收工后闲聊得也很开心，知道她在英国上的学，也知道她写歌、参加过选秀。当时互留了联系方式，但后来也没怎么联系，现在在好歌曲上看到她取得了好成绩，为她感到高兴。

来说说作品吧，流畅清新可爱，这是肯定的，就不展开了。歌曲的写作还是有些问题的，最明显的就是旋律位置分布不合理。除了副歌后段旋律冲上了 bE5，碰了几下 C5，大多时间都停在 bB4，而且 Hook 句「不客气，不客气」，是从 bE4 开始的下行旋律，注意啊，bE4 本来就很低了，旋律还下行，有些泄气。而且主歌的 bE3 唱得质量很差。现在副歌段旋律最高音 bB4 和全曲最高音 bE5（也就是留给华彩的空间）之间有纯四度，或许可以考虑压缩这个音程，然后通过其他的方式来保持华彩段的张力，然后让主副歌旋律整体上移，从而提升演唱效果。

另外还有「不」字的发音。很可爱，和苏晴本人的造型举止也很搭配，但总感觉有点幼稚。不过长笛和 organ 音色倒是营造出些童话动漫的感觉。

供苏晴妹妹参考。


三、王宏恩《不用担心我》

王宏恩的来头也相当大，2002年凭借专辑《王宏恩 Biung》拿下台湾金曲奖最佳方言男演唱人奖，2005年凭借《走风的人》拿的最佳作曲人奖（这奖分量更重）。他是台湾布农族，作品中的原住民色彩极浓（刚出道前几年都使用原住民语言唱作），此后转向国语创作演唱，但仍然保留了很多原住民音乐元素。这些年他事业受挫主要还是受累于全球唱片业的萎靡（小众歌手受创尤甚），而非自身音乐质量的下滑。

《不用担心我》是首流畅委婉的歌。歌曲基本还是遵循了惯常的主副歌套路，但并不像常见的流行歌那样，刻意拉开主歌和副歌的旋律形态（比如一短一长、一低一高、一密一抒，一宣叙一咏叹等），更没有去精心打磨体现情绪爆点的「Hook」句。娓娓道来间，歌曲就逐渐拉开了层次，积累了情绪，让人不知不觉地入了戏。当然小技巧还是有的，比如主副歌转换点用转调（ F 大调转 bB）拉开了段落层次，然后在副歌演唱一遍后，再升 2 Key 到 C 大调（而且不是直接粗暴升，是隐藏在了间奏中），用调式来推进情绪。

而后突然在原有副歌的和声进行中切换成民歌咏唱，再用音乐元素为歌曲添了一层情绪，也阐明自己身份，吸引注意力且不突兀。最后以点题句「不用担心我」出现在段末，连贯收尾。

当然，王宏恩的音乐单凭两条：音域（最高 G5），金句（Hook 不明显）就决定了他的作品即便是流行情歌，但依然小众（没有采用唱片体系内最有效率的最吸引注意力的音乐表达方式），但这一点也不重要啊。


四、戴荃《悟空》

本季《好歌曲》到现在为止我个人最喜欢的一首歌。

先扯远一点。我们平时老听到一句话「民族的就是世界的」不管是在课堂、纪录片、选秀场，或者是旅游景点节庆晚会上，一看到各种京剧昆曲杂耍节目，往往就会有人拔拔高调喊喊口号比如保护传统文化什么的，然后再来上一句不咸不淡的「民族的就是世界的」，但是一扭脸大家还是该听摇滚听摇滚，该看大片看大片。我们的传统音乐是座宝库，但可惜在现代文化产业中，还没能加工成优质的商品。传统艺术再精美、再璀璨，它们还保持着过去的形态，难以寄托当下的情感、融入日常的生活。

再扯远一点。十九世纪下半叶的美国，南北战争结束不久，虽然经济已经迈上快速发展的道路，但文化艺术上还无法摆脱面对欧洲时的不自信。其时的美国仍然被视为文化艺术的荒蛮之地，在欧洲乐坛混不下去的草台班子跑去美国走穴圈钱都会被奉为上宾。但状况逐渐有了好转，美国音乐家开始关注本土音乐，关注那些被「主流圈子」忽视的民族音乐（主要是黑人音乐），比如布鲁斯（Blues）、黑面人游艺歌曲（Minstrel Songs），黑人福音歌曲（Gospel）等。在对民间音乐进行整理、分析、再创作的过程中，音乐家们在保留其精髓（Blues 五声音阶、即兴、Shuffle 律动、Call&Response）的同时，又对其不利于推广传播的部分进行修改（规范格式、强化旋律性、强化主副歌结构），使之在格式上符合其时的传媒渠道，比如活页歌谱（Sheet Music）和刚刚兴起的唱片和广播。同时题材上也摒弃乡村生活，专注爱情歌曲和乡愁描写（投城市底层劳动者所好），得到了广泛的传播。这个把美国民族音乐逐渐世俗化、商品化的过程，也是拉格泰姆（Ragtime）、爵士乐（Jazz）等风格逐渐形成的过程，还是叮潘巷（Tin Pan Alley）与百老汇（Broadway）等现代音乐产业逐渐形成和发展的过程，也是美国逐渐摆脱文化不自信、渐构建国家文化软实力的过程。

这个发展思路值得中国流行音乐借鉴。我们有丰富的传统音乐宝藏（虽然音乐家在古代不太受待见但几千年攒下来的好东西还是不少），还有这么丰富多彩的少数民族音乐，可供我们使用的素材太多了。但素材还是要加工的，否则再好的食材，把半成品端上桌子也没法吃啊。音乐素材中该如何取舍？哪些传统该坚持哪些规则该突破该怎样和当下的社会对接该怎样和现代生活串联如何把握其中的分寸和姿态，是所有中国音乐人都应当思考的问题。

那么具体到《悟空》，这是首中华元素和流行歌曲融合得让人非常舒服的歌，分寸、层次推进、爆发时机都拿捏的非常好。寻常套路且不提，单把「传统元素所占比例」拎出来当作一条线索审视，《悟空》都显得非常工整且有层次：前奏是很西方的琶音织体，主歌铺垫点到即止，没有画面感、也没有场景构建，时间民族地域信息通通没有，只淡淡地点了点怅然的情绪（钢琴还走了和声大调呢）。尔后歌词的禅意渐渐涌起，竹笛切入，歌词渐渐靠近主题，而演唱上也开始强化咬字。从「叫一声佛祖」起，歌词已经文白相间，演唱不时间隔着半句戏曲说唱，偶尔闪现的尖团音为歌曲染上了浓浓的京剧味道，笛子的吐音花舌游走得上下翻飞，失真吉他引领着乐队进入时还点缀了铙钹——如此复杂的元素融合起来画风却毫不违和，同时旋律下方的和声连接工整丰满，摇滚织体、律动层次丝毫不乱。如此的组合取舍、搭配比例，新奇、精妙，我喜欢。

（此段承蒙我校古音史硕士@周小喵 提供学术支持）

《悟空》让我想起了《西游降魔篇》


五、游怡婷《在你肩膀上入睡》

优美抒情小歌。词写得很好，切入点很优美且行文颇具形式美感。旋律上除了桥段的那几句外，主歌副歌部分都是很规整的五声，和声连接也都是自然和弦，不光加入了竹笛，钢琴伴奏中还特意强化了四度音程。但整个作品听下来并没有太浓的中国味道，一来是歌词没有向这方面用力，此外桥段中 bVII 的使用，以及演唱中非常流行化的装饰音，中和了本就不是特别明显的中国风。当然，「中国风」可能也不是游怡婷的本意，可能是节目组在编曲过程中添加的小色彩。

我个人对这类抒情小歌不是太感冒（我口味其实还是偏重的），不过作品质量不错，放在准一线歌手的专辑里也不逊色的。


六、王峥嵘《唱歌的孩子》

C 大调，E2 - G4，看出问题在哪了么？音域。过低的音域演唱质量极差，而旋律太宽其实是写作能力不足的表现之一，多少好歌一个半八度，甚至十度九度就搞定了。写作上不能形成足够的情绪张力，才会想到靠扩音域来弥补。这个问题之前好几首民谣歌里，在许多豆瓣民谣作品中都存在（之所以常出现在民谣里是因为极低音域可以在民谣里往「沧桑」靠，且民谣形态简单，这个音区很暗哑但还不会被伴奏盖住，其他风格就不行了）。

王峥嵘还有一个问题就是和声套子太俗，副歌的半音下行（I - V/VII - VIm - IIIm/V ）是华语歌坛最俗大调套子 17654325 的变种（最俗小调套子是 25147366，「最爱你的人是我」）。在这个和声套子里再怎么变化，旋律都不免闯车，所以歌里很多旋律唱着很不舒服、不流畅，也要这么写（再流畅点就更似曾相识了）。

当然，这歌里有一句抓人的「我们是听话的孩子」，让人忧伤、五味杂陈、保护欲瞬间爆棚，也可以让人暂时忽略掉音乐里那些不太流畅但还不算刺耳的瑕疵。所以这首歌一定会击中一些人柔弱的心房，也一定会收获可观的听众，当然也得到了导师的认可。民谣不是木桶，有短板不怕，有金句就行。


七、林二汶《至死不渝》

林二汶的来头也不小，香港著名唱作人、at17 成员，哥哥是香港更著名的独立唱作人林一峰。

无论是林二汶自己的作品，还是她在 at17 的专辑，音乐风格主要还是有点 Alternative 感觉的民谣流行加很淡的电子，而这首《至死不渝》写得非常婉约柔美。前奏的双吉他织体很烘托气氛，词曲徐徐展开，副歌段的大长句「我的温柔我的热情我的脆弱我的敏感细腻，从今天到以后只会因你而美丽」，极其优美抒情，中间的逗号虽然成为了行文上的断点和演唱上的气口，但前后两句过于饱满且流畅，使得他们在情绪和旋律形态都几乎连接起来了，用刘欢老师的话说，「隽永」。音乐是有形象的，旋律更是有形态的。如此绵长悠扬的线条，必是至极柔美的女子（和歌手发型的反差大了点）。

相应的，太柔美，情绪爆裂程度就会受到限制，所以这首《至死不渝》绝对不会成为街头巷尾的热歌（一般人就算能记住那句超级长的 Hook 句，也没有足够的气把它顺下来呢）。但她，和她的作品也会有自己的听众，品质摆在这里呢。


八、祁紫檀《出离》

有意思的小姑娘。一般的艺术创作都会由理论驱动实践、由审美决定表现。但有时也会自下而上，由一两个技法的创新逆推出一套表达语言，一系列作品，并且能够自圆其说。

祁紫檀很可能就是用技法逆推创作的歌手（抱歉我也必须逆推了，毕竟我不认识她啊）。我看了她2011年参加《激情唱响》时唱的《南海姑娘》，她已经形成了自己的个人符号（演唱上有绵羊音，这衣服风格该怎么概括啊？丽江风？），但作为歌手，她对音乐的掌控力还相当有限，所以只能选一些适合套用自己绵羊音的歌曲来翻唱，那么这种大幅度挑衅式演绎的风险也是可以预见的，不是精彩就是惊吓。她不可能做到场场精彩，所以就只惊艳了一下然后就回家了。（顺便说一句，现在翻回仅仅四年前的选秀节目就感觉粗陋得看不下去了，放伴奏唱K，不能忍。所以你们能感受到《好声音》、《好歌曲》和《我歌》对中国音乐电视节目的行业标准的大幅拉动了吗？）

那么这次祁紫檀杀回好歌曲，个人的风格更强化而立体了，对音乐的掌控力也增强了——有了自己的歌曲，而且在音乐上，不仅保留了标志性的绵羊音，还有很中式很花哨的装饰音（其实已经可以视为唱腔了），还有与之匹配的歌词（仙里仙气又有点神经质）、造型（看似颜色收敛了但饰品、纯色上装、花裙子和亮色皮鞋的层次把力度衬得更强了）、舞台动作（飘来飘去）等等。她是一个很聪明的人，懂得怎样让自己在各个维度上都围绕着个人符号，表现得统一、特征明确且强烈，懂得如何套用其他领域的艺术规则，从细节入手把意图贯彻到整个体系。

但她的作品中仍然有一些比较明显的问题，比如和声色彩的混乱——主歌的旋律，尤其是装饰音具有很强烈的五声色彩，「端坐」，旋律漂亮得多像旗袍下曼妙的臀线。但在副歌段她用了非常西方式的小调属和弦（III），而且主歌和副歌段的大小调切换也显得交代不够，配器缺乏层次，副歌有点 Alternative 的感觉，和出彩的中式主歌不搭。但这些都不重要，她一定知道自己想要什么感觉，只不过因为没有专业的音乐技能，没有找到与歌曲风格最匹配的音乐形态——而这，恰恰是导师们最擅长的。

kiwi8

《中国好歌曲》S02E06

邓柯


快剪略过

一、朱梦蝶《船》

这首歌的风格可以定义为摇滚加电子，或者叫朋克舞曲，甚至是新浪潮，其实具体落实到音乐元素上面，最有特征的两点，也是决定音乐质量的关键，就是：1、摇滚化的节奏声部，2、电子织体

那么这首歌：节奏上很接近舞曲，律动规整，煽动性强。对律动层次有所拆分（比如贝斯的切分很给力），但又没有太细碎，不至于消解调强烈的推进感。电子的部分，音色选得不错，可爱、纯粹，Fill 设置得很好（之所不说演奏，是因为那个肯定是用 MIDI 琶音器生成的）。那么，动感、劲爆，可爱、时尚的音乐元素，合理配比在还不错的歌词旋律和声乐段中，再考虑到主唱的脸和身材，是首好歌也是个好 show。

我扫了一眼她们的豆瓣小站，朱梦蝶，或者说荷尔蒙小姐乐队，尽管歌曲风格略显先锋，只要维持着目前的创作水准（应该不难，她们都出身川音受过系统音乐训练），她们的商业价值会很高（演出会很好看票房会非常好）。内啥，后海大鲨鱼你们再不出新专辑，地盘就要被抢走了啊。


二、崔楠《懦弱》

好歌。这首歌开始有点欺骗性，让我误以为是移植到了键盘上的那种情怀民谣，但很快就排除了。判断依据就是他的乐段结构。（前两天我刚在微博重新发了之间写的简短介绍文《流行歌曲的结构》，还真应景啊）一般流行歌曲的乐段都会由四个乐句组成，从而保持结构的工整对仗。而四个乐句，又往往对应着「起承转合」的结构，即在一个乐段里，同样能呈现出情绪呈示、发展、变化、小结这样一个周期。但崔楠一个乐段只写了三句，而且是个很明显的「起承转不合」：第一句陈述第二句累加第三句抬手就是一鞭，结果没有那「啪」的一声，就进入下一阶段了，搞得人痒痒的。从和声上可能体现得更明显（和声我只标记大类，为了突出重点，那些和声细节例如 Maj7 我就不写了）：

当初是他执意背上行囊（I）独自地走向远方（IV）

为了逃避父亲的责骂（I）还有母亲失落的眼神（IV）

离开家乡（IIIm）来到这里（VIm），被人轻视（IIIm）被人冷落（VIm）

然后他就这样进入下一段了。手边有琴的，可以试试随便在后面配上一句比如：可我从来没有（IIm）怀疑过自己（V），是不是就很流畅很舒服也很酒吧很流浪了？

一句之差，云泥之别。这就叫颠覆写作习惯，这就叫打破听觉惯性。

当然，反复过几遍主歌后，稍微用主题（也就是歌名）总结一下前文然后承上启下，引出了积蓄已久终于爆发的副歌（有没有感觉和许钧的《自己》很像？徐徐铺陈的压抑主歌X3 + 终于喷发的爆裂副歌X3 + 安静片段收尾）。也是很好的写法，不多展开了。

前面是五位川音学生的乐队，后面又接了一位川音老师，就顺便聊两句川音。流行乐坛中的川音前辈比如何训田、郭亮老师等自不必多说，四川音乐学院是九大音乐学院中相当重视流行音乐的，2001年就把诸多流行音乐专业集合起来组建成了二级学院。川音对流行音乐的重视，也直接造就了选秀年代川音选手的大放异彩（李宇春、何洁、谭维维、王铮亮、魏晨等）。反观我母校，唉……小众音乐不该画地为牢，古典音乐也不该画地为牢。能考上中央院的孩子都受过良好的训练掌握了极高的技巧，但这并不意味着他们一定喜欢、也一定适合那部分最能与这些技巧相匹配的音乐。为学生们多保留一些可能性吧。


三、王健《小礼物》

感人的歌，感人的词。

小孩子常常能表现出纯粹的善意，有时也会显露出纯粹的恶意，很可能他们都是无意的，但在那个被孤立、被冷落甚至是被嘲笑的孩子心中，这种无意的伤害是最粗暴最剧烈的。我能想象身体残缺的痛苦，但我更惊异于他能够仍然保持对生活的热情与善意。他一定拥有很多来自亲人的爱，还有，音乐。他才能够找到如此柔软而温暖的角度，来审视生活的不公。

但，那歌里还是会有掩盖不住的伤感和无奈——

记得 小时候的我其实有几个好朋友

可是 他们不玩机器人也不会打篮球

因为 这几个小家伙的名字叫做音符

慢慢的我 喜欢了这种生活


精彩得让人愈发伤感，但精彩得会给人以力量和信念。

我有一位忠实读者，从我刚开始写乐评（《我歌》第二季）时他就经常转发评论我的文章。后来我才知道他是一位视力残障者。或许是因为视力不佳的缘故，他格外地热爱音乐（小宝，我知道你在看我的文章，就不爱特你了）。这首《小礼物》，我猜你应该会喜欢。


四、黎子明《夜不眠》

一首在半文言歌词和一堆转音包装下的流行歌。和声调式很口水，为了和口水拉开距离，在旋律写作上很用力。倒是不那么口水了，但旋律线条很凌乱，尤其是「浮现清冷的湖畔」开始一直到「万物的音律合奏起一曲夜不眠」这一段，姑且算作「主歌2」吧，太贫。句中旋律本来就在频繁折返，三句都在摸进（而且只平移了二度），把这段谱子写出来的结果就是满篇的 67671717，56567676，12123232，念咒啊。副歌的旋律线条其实是和「主歌1」一样的，只是压缩了长度提升了音区。也没切分出新的律动变化，情绪都是虚高的，没有推出真正的波澜。

词大家都懂，念两句就能发现问题在哪，我就不多说了。总体看是首匠气挺重的歌。


五、潘云安《冷色系》

不错的歌。很内秀，乍一听流畅顺耳，但稍一留神就能发现其中的奥妙和精致：节奏。这歌是 12/8（可以视为两个 6/8 加起来），那么亮点就在于 12/8 和 3/4 的互切。

这两种拍子，虽然每小节的最重排是重合的，但次一级重音确是错位的（例如图中黄圈处）。这两种律动层次同时存在，演唱，或者说整个音乐，都可以在两层律动中随时相互切换，非常精妙。

其他方面都不错，旋律和声都还算中上水准，歌也算OK。


六、杨明毅《一位老人》

勇于尝试把本地区的音乐融入进流行音乐中，创作态度值得表扬，实际效果差强人意。问题出现在传统音乐的元素取舍上，以及和流行化风格的对接上。这首歌的原生态民歌段落和弹唱民谣段落没有融合在一起，相对孤立而分裂。

具体表现在：

1、律动。民歌段在《一位老人》里是当副歌段来用的。上来的「原生态呈示」，和流行化主歌进入后，速度有变化没关系，但主歌的速度起来以后（很流行化的吉他分解和弦），一进副歌速度又降下来了，歌曲就完全不连贯了，律动感被彻底打断，观众需要跟着音乐重新构建内心速度。这么重要的线索断掉以后，主副歌段落间最紧密的联系就打破了，累积起来的情绪也就没有了。

2、配器。不知道为什么这首歌使用了单吉他弹唱而没有乐队配合。当然有可能是因为作曲者都乐队化的音乐形态没有想象（导致没有预留其他声部的接口），而在音乐总监也没想到特别合适的乐队呈现方式，所以就变成了单吉他弹唱了。如果有其他乐器做掩护，音乐就会呈现得更完整丰富，也能让相对割裂的段落连接得更平滑一些。

此外还有个讲述视角的问题。这歌其实描绘了两个人的对话，「我」和「老人」，虽然用了普通话和方言来拉开差距，但在歌曲尾段中「我静静地看着眼前的老人，一阵风吹散我所有的疲惫」之后马上接上了「我一根大烟袋绝对有味」，还是有些角色错乱的。可以在行文上稍微淡化一下主格，避免听众产生疑惑。


七、钱俊、张毅《你眼中》

这是首流行金属（Pop Metal）歌曲，九十年代后期在北京特别流行，我们都叫它「流麦（māi）」。虽然歌词很阳光很鸡汤，但只要失真吉他给力，鼓和贝斯死磕，照样能噪起来。

那么具体到这哥儿俩，只能说玩得挺花哨。有深喉有嘶吼有甩头，连吉他点弦都上了，但抽离掉这些形式，作品本身还是力度不够，听着挺热闹听完让人记不住。此外，唱到后面音准问题越来越大。


八、褚乔《晚安》

褚乔是我看《好声音》第一季里颇喜欢的选手，要不是淘汰赛早早碰见吴莫愁还能走得更远些。

这歌写得中规中矩，挺完整，算是英式风格很浓的流行摇滚。所有的铺垫都在主歌完成，进入副歌后就是彻底的抒情，同时还紧扣歌名（也是 Hook，不过还不成句）。褚乔的演唱也为作品增色不少。


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说说我参加研讨会和录像的经过吧。

2月6号下午，我受邀参加了灿星举办的《中国好歌曲》节目研讨会。主办方邀请了诸多音乐界、电视界以及文化界的前辈、大师、大佬们共聚一堂，就《好歌曲》今年增加的极限原创环节，以及真人秀节目与当前小众音乐圈的相互影响进行讨论。议题有两个：一、如何推广优秀的小众音乐；二、第二季《中国好歌曲》「限时命题极限创作」赛制的意义与局限。

专家们依次发言，我也表明了我的观点。就赛制（议题二）我讲了三点：

1、24小时极限创作这个赛制本身是没问题的。像音乐学院考作曲，三小时就要写一首歌曲，连旋律带钢琴伴奏。24小时只写词曲加简单伴奏（不需要编曲）是绰绰有余的（实际上刘欢组录完后剩下三个组都把时间限制缩短位12小时，但对于学员仍然很充足）

2、《中国好歌曲》是个选拔唱作人的节目，而具备在一定时间内的命题创作能力，本身就是作为唱作人的基本要求。梦想强音（好声音好歌曲选手的经纪公司，与灿星同属星空传媒旗下）是个企业，签选手是要赚钱的。签完才发现选手一年只能憋出一首歌，公司岂不是亏本了。

3、学员的歌曲都经过了无数遍的推敲斟酌，在音乐表达已经是很完整高校，没有太多的改进空间了。如果再像上一季让导师对其重新编曲，反而会效果不好。改成限时创作，写出新歌再编曲再演唱，节目会更好看。

关于小众音乐（议题一）的看法（只列观点，细节就不展开了）：

1、《中国好歌曲》是中国最大、最具知名度、最有社会影响力的原创音乐平台，极大地推动了中国原创音乐的发展。

2、随着互联网的发展，社会的传媒体系在不断发展，而通过这个传媒体系所传播的内容也会逐渐变化。网络会把现实中那些口味非常小众的爱好者们聚集起来，让原本很小的「小众」集合成一个相当大的群体，从而成为不那么小众的「小众」。以后用户的选择会越来越多元（会体现在各种内容产品上比如电影、视频、段子、小说、漫画，当然也包括音乐），那么原本在传统媒体工具中被边缘化的所谓的「小众音乐」，以后的发展空间会越来越大，这是历史的趋势。

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2月9号、10号，我又受邀去嘉兴看了两场《好歌曲》录像，分别是蔡健雅组和羽泉组的五进二。至此本季《好歌曲》除了年后的一场决赛，已经全部录制完毕了。按理说盲选结束后我应该对后面进程有所展望，但我已经知道了很多结果，所以我就不再预测了。稍后我会选出盲选阶段我最喜欢的十首歌与各位分享。

kiwi8

《中国好歌曲》S03E07 刘欢组考核


邓柯


一、那吾克热·玉素甫江《四季》

这首作品和盲选时的《漂》很接近，律动底子基本相同，两首歌的速度一样（150bpm，bpm=beats per minute，每分钟150拍），应该也共享了不少素材。

当然这无可厚非，因为拼贴本来就是 Hip-hop 的创作（制作）方式：在既定的速度（120bpm 的最多因为这个速度的素材最多）和律动（99.99% 都是 4/4 打底）下，用一些 Loop 素材拼贴出 Pattern，然后再由不同情绪烈度的 Pattern 组建成段落，形成歌曲的整体结构也体现出大的情绪线条。创作过程像搭积木一样，很好玩。由于 Hip-hop 在相当程度上简化了音乐的和声及旋律，对于爱好者而言做 Hip-hop 风格的技能门槛会稍低一点，但想做好也不容易——被简化了的和声和旋律，需要用巧妙的文字立意，和眼花缭乱的节奏变化来弥补。

那吾克热显然是位熟练的 Rapper。他懂得如何用排布音节、安排重音、错开切分，使之与伴奏拉开层次但彼此呼应，字面上又能亮明立场又能切合主题。他的种族优势还确保了他可以在三种语言中来回切换维持必要的新鲜感，同时还能在间奏处加入民族乐器来强化自己身上的独特符号。尽管那吾克热是极限创作环节里看起来最吃力的（最后一个交卷），但他应该是所有学员里最能保持创作平均水准的。


二、裸儿《呐喊》

这歌必须扒和弦谱了，不扒讲不清楚。建议手边有琴的摸摸这些列出来的和弦，看不懂和弦标记的可以跳到后面直接看结论。

[A大调] 去年的今天有一个天使（A）

降落到海底陪鱼儿飞翔（A+）

可如今的模样（A）

已刺痛她的心（A）滴入黑色丑陋海底（Em/G）

再也出不来呀（A）


去年飞翔在这里的天使（B）

如今却被恶浊的毒网捆绑（Em） [离到e小调]

蒙蔽双眼 被推了下去（Em）

再也出不来呀（B）[转B大调]


黑了海的梦（B）

丢了灵魂的空洞（Em7）

灰了云的天空（B）

毁了要歌颂的歌（Em - B）


[转E大调]鱼儿游啊游啊游（E - D）

鸟儿飞呀飞（A - E）

浪在海里（E）虹在天空（D）

世界多美好（A - E）


根（E）相握在地下（D）

叶（A）相融在云里（E）

长出枝芽（E）云朵盛开（D）

你朝我微笑（A- E）


为什么要打扰（E - D）

这静又净的一切（F - E）

谁呀 谁呀 （E）谁能跳出来（D）

站在万物之生（F - G）[转A大调] 为一切呐喊（A）


an~（A）

yi ah~（Dm）

yi ah~（A）

yi ah~（Dm）


为何要黑了海的梦（A）

丢了灵魂的空洞（Dm）

灰了云的天空（A）

毁了要歌颂的歌（D - A）


鱼儿游荡在蔚蓝的海（A）

鸟儿飞翔在粉红的天空（G）

她要留住这一切（Cm）

[转G大调] 她想要 你（G）

你知道 你（G+）

你可知道（G）


音乐中很多不协和音程（可能出自编曲之手）和不规则乐段（这肯定是裸儿自己写的）相比之下都显得次要了，亮眼之处在于调式。一般的歌曲转调要么是为了：1、助推歌曲情绪，比如在结尾处升1key 2key 反复（《我歌》里大部分转调都是这个目的），2、为了拉开段落色彩差（《浮夸》，主歌 e 小调，副歌 #c 小调），3、弥合男女音域差（主要是对唱歌曲，比如《楼下那个女人》，男声 b 小调女声 G 大调）。但很少有像《呐喊》这样如此频繁地转调（A大 - e小 - B大 - E大 - A大 - G大），完全提炼不出来转调逻辑（比如情况2，都是在这一段转到某调后再在下一段转回来的），而且转调点有时和乐段进度相当不同步。调式一直在变化，有时飘忽，有时短暂稳定然后又继续游走，随性但不显生硬。

支撑这些频繁变化的调式的都是些很简单的和弦，没有高叠和太多转位，而且和弦连接发展逻辑也和一般歌曲不太一样。同时，歌曲的乐段也完全无法归结成惯常的「主副歌」结构，其实单看某些层次比如节奏、速度、旋律线条，是能看出规整的乐段对比的，但这些层面的划分点又彼此错位，导致把视角放大到整个音乐时，又无法把这些乐段划归到某个「主歌」或「副歌」的范畴中。

这首《呐喊》很像在在画画——原本最重要的旋律线条被边缘化了，而大块的色彩（和声）承担起了作品的表达。一些原本需要严格恪守的规则，甚至不能讲颠覆，直接被忽略了，连带着其他相关表现首发都要作出调整，但整体作品的表达方式又能自成体系、自圆其说，作品形态也非常完整。但这首挑战了公众欣赏习惯的歌注定会引起相当大的争议，因为一些找不到 Hook 句甚至找不到调的听众们会很烦躁。


三、马条《收获》

像马条自己说的，比起盲选的《傻瓜》，这是一首更加「柔软」的歌，依然温暖厚重但不失平白朴实。音乐形态上更加靠向民谣，意向更为具体，五声的形态也更清晰。

结合马条在节目中的访谈，包括在《好歌曲》研讨会上的谈及的感想，能看出他这一年多来生活状态的变化。婚姻、孩子，让内心无比坚硬强大从而能在北京半地下音乐圈里坚守二十年的马条，逐渐变得温和而亲切。而这也影响到了他的音乐——上一张专辑中还随处可见的棱角都被收起，摇滚、新疆民谣、Unplugged 弹唱这些原本能让他在这个舞台上更具表现烈度的元素全部被摒弃，只留下了这两首安静而柔美的独白，唱给爱情，唱给孩子。


四、杭盖《轮回》

之前就提过，我国虽然拥有丰富的民族文化资源，但呈现形态还都太原始，对于当代社会而言只是素材和文化半成品，需要经过现代化改良才可以和娱乐产业对接。把传统文艺作品直接包装成文化产品是一定要失败的，因为时代在发展，公众对文化产品的考量标准也在不断提升。那边电影都巨幕 IMAX 了，咱就不能再用「传统」的名义把观众们绑架在戏园子里看着一个老生的唱段然后自行在脑海里想象千军万马。同理，那边吉他贝斯鼓合成器把频段填得满满的，音乐上旋律低音织体律动声部全齐，主副歌前奏间奏尾奏桥段 solo 排布合理，咱这边还能靠声腔去烘托「意境」么？

中国传统音乐缺乏纵轴深度（和声）、缺乏律动层次（散板太多），原来中国人自娱自乐不觉得，后来长见识了，和西方的交响乐、流行乐摇滚乐一比，就比出差距了。有差距没关系，缺啥补啥呗。

来看民族艺术家杭盖的优秀示范。调式上使用了目前流行的伪五声，旋律是蒙古民歌常用的羽调式，伴奏中有七声音阶的和弦穿插。律动方面，在常见的 4/4 拍的基础上把四分音符细切成八分音符三连音，变成了 12/8，一方面增加律动的内部行进力，同时也给编曲提供更丰富的节奏层次，尤其给了失真吉他演奏重金属 riff 的空间。配器上，流行乐队打底，马头琴等乐器不仅提供民族元素，也负责段落串联，弦乐队负责品质优化，呈现得非常有逻辑。整个作品的内核（民族调式、特色唱法、旋律形态）并未改编，但通过一些层面的优化（律动、配器）使得作品能够和现代音乐中最富表现力的元素（金属失真、复杂乐段、大编制乐队）相结合，使得他们的作品不光能和观众们产生文化联想和情感共鸣，同时也具备精湛的制作工艺和强大的感官冲击力。

民族音乐一定要流行化、产业化，而摇滚则是非常好的选择之一。一年之内仅在灿星的舞台上，大获成功的就有维吾尔族的帕尔哈提和蒙古族的杭盖。下一位会是谁？


五、刘雨潼《留给昨天》

这是首唱大于作的歌，刘雨潼优秀的演唱给歌曲添了不少彩，也给这首作品打上了浓浓的个人烙印。bB 大调转 C 大调，音域 B2 - E5，而且有大量的 C5，bB4，难度相当高了，等闲人等也唱不了啊。

歌曲还是延续了之前《等风来》的大路子，叙述性旋律，走抒情路线。我个人觉得主歌部分的旋律及和声还可以再斟酌一二，有些乐句的五声倾向很明显，但两句过后又会出现强烈的七声（IV 级和弦搭配重拍 IV 级旋律），如果确定要用七声的话，应该避免在某个片段的旋律形态和钢琴织体同时出现明显的中华五声倾向。

速度突然加快的桥段稍微有点突兀，但引领出升了2 key 的副歌，很巧妙。用配器和速度强化了歌曲前后两大部分的情绪对比，同时把炫技和旋律线条很好地融合在了一起，很具有刘雨潼的个人特色。总体看还算相对完整，把歌手的优势发挥得很充分，在某种程度上也体现出了明显的个人色彩。比本轮其他几首作品略有差距，也没有达到盲选时《等风来》的水准。


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再谈谈淘汰环节吧。

相比盲选时对导师点评和抢人环节的着力渲染，进入到复赛考核轮后，节目反而对一些关键环节（如14进8、8进5）交代不足。以我个人推测，原因可能有二：

1、有些创作环节不适合在电视上展开，比如太过专业的内容，不展开听众又看不懂，展开说篇幅又不够（而且观众的知识储备又有差异，该讲到什么程度呢？），所以干脆就一笔带过。

2、灿星作为中国当下最强的造星平台之一，只负责节目制作业务。而选手后续的经纪、运作、推广等业务，是由同属于星空传媒旗下的「梦想强音」、「梦想当然」等公司负责。星空传媒是家企业，有盈利压力，那么艺人就是娱乐公司最重要的资产和生产资源。而不是所有选手都愿意在盲选结束后就和「梦想强音」签约的，那么作为节目制作方在决定选手去留时，难免会受到其经纪合约的影响。毕竟节目时长是最宝贵的资源，时间（也就是说露脸的机会）难免会向自己人倾斜。

此外，51位乐评人的投票环节也是个巨大变数。灿星确实向        全国各主要媒体发出了邀请，但据我了解，这些媒体派来参加节目的人员并不都是负责音乐娱乐类题材的专业人士。他们可能态度很认真，对音乐也抱有激情和热忱，但这51名评委，并不是每一个人，都拥有高于大众的音乐鉴赏力的。同时，由于节目制作流程的原因，每期录制都会持续很长时间。我参加的那两场录制都是大概7点左右入场，12点结束，平均将近一小时唱一首歌。开始评委们的热情会很高，但随着时间的推移，他们会变得相对疲惫和麻木，对歌曲的评价标准也会随之出现微妙变化。以我个人的感觉来看，《好歌曲》这种每首结束后马上投票的赛制，先出场的选手容易拿高票。反之像《我是歌手》那种一口气唱完后再投票的赛制，后出场的歌手就会占便宜。

所以我无法评价本场的选拔结果，更难以去倒推还原整个淘汰过程。我能做的，就是基于最终呈现出来的这几首作品，谈一谈我的想法，而已。

但就像我在第三季《中国好声音》的乐评里说过的那样，我们应该感谢灿星，而不是指责。因为没有灿星，我们根本没有机会接触到这么多优秀的歌手的音乐。没有灿星的发掘和推广，把帕尔哈提摆在你面前你也没有耐心听。

这在《中国好歌曲》里也同样适用。

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附上我选出的：《中国好歌曲》第三季盲选阶段十佳歌曲（按播出顺序排列）


赵牧阳        《侠客行》

苏紫旭        《没有你》

裸儿        《会飞的野马》

刘雨潼        《等风来》

杭盖        《杭盖》

刘胡轶        《从前慢》

简迷离        《怪兽不跳舞》

许钧        《自己》

戴荃        《悟空》

王健        《小礼物》

kiwi8

占位更新

henry2012au

kiwi8

不看球的看这个吧

lesli1109

恩，看，喜欢。 阿楚姑娘不错，但还在等像去年的好歌曲中的画和周三的歌那样的作品，现在手机经常是赵雷的专辑的循环播放。。

lobsters

喜欢《野子》，声音特别，过耳不忘，表演也到位

小信

等风来 和 从前慢 是有真正中国韵味的歌曲。太棒了

gracehyh

从前慢真的太棒了，绝对的出自有深厚功底的认真推敲的科班出身之手。流畅，优美，结构完整，起伏自然，有主框有点缀，我单曲循环了好多好多天。

而且刘胡轶唱的也很不错，无可挑剔，我觉得这首歌才是最好听的

kiwi8

gracehyh 发表于 2015-3-30 22:17
从前慢真的太棒了，绝对的出自有深厚功底的认真推敲的科班出身之手。流畅，优美，结构完整，起伏自然，有主 ...

我默默更新的帖子也被你发现了

gracehyh

kiwi8 发表于 2015-3-30 21:22
我默默更新的帖子也被你发现了

我是特意搜的好歌曲的相关帖子，从前慢实在是太棒了！